CoMe TeAtRo

Talas sobre ruedas - travesías creativas

2012-01-10T10:38:00.003-05:00

El primer documental en Ecuador sobre un grupo de teatro que viaja a Provincias en donde nunca han visto una obra.

Del 17 al 25 de enero en el cine ocho y medio

El "Festiclown" avergüenza al teatro

2011-12-13T10:42:00.006-05:00

Este año ha habido en la Capital de Quito se han llevado a cabo algunos festivales dirigido para niños, adultos y jóvenes. La mayoría ha tenido un gran éxito, pero lastimosamente hay uno que para su buena suerte no decepcionó al público, ya que NO TUVO PÚBLICO.

Hablo del "Festiclown", cuya capacidad de difusión no solo fue deficiente sino que por reducción de presupuesto de la Secretaría de Cultura cancelaron las funciones en la Carpa de la Alegría que se encuentra en el Parque Itchimbía.

Me parece poco ético cancelar un festival un día antes de la presentaciones y una falta de respeto hacia el arte.

No es una razón la reducción de presupuesto porque conozco asociaciones que han logrado sacar adelante las funciones sin necesidad de depender de una secretaría o ministerio.

Es indignante que haya gente que se dedique a la promoción cultural y no trabaje con pasión y esfuerzo.

Teatro para niños

2011-10-18T16:06:00.002-05:00

El teatro para niños conlleva algo más que un mundo ficticio.

Festival guaguas de maiz

El payaso "Bis"

2011-09-01T11:09:00.022-05:00

En las escuelas primarias de los colegios de monjas hay situaciones típicas: es típico escribir a "mano escrita", conocer todos los himnos existentes, y tener un coro de niñas. En está última categoría me voy a concentrar.

Los primeros encuentros con la lengua español son más bien "encontrones", hay palabras polisémicas, reglas ortográficas, se presentan los primeros problemas con las excepciones de verbos en participio y, claro, el famoso metalenguaje (términos específicos para referirse a algo).

En el coro de niñas se reciben las letras de las canciones y si tienes 7 años y te dan una hoja en la que dice:

I Estrofa

II Estrofa

Coro (bis)

III Estrofa

lo normal es decir primera estrofa cantar, y lo normal es que el profesor de música diga "NO SE DEBE LEER LA PRIMERA ESTROFA", nuevamente lo intentas y no cantas la primera estrofa porque el profesor dijo que "no debía leerse", finalmente se da cuenta de que tienes 7 años y te explica lo que se lee y lo que no, pero olvida decirte qué significa "BIS". Nuevamente cantas y al terminar el coro dices: bissss. El profesor te reta y AL FIN, explica que eso significa DOS VECES y que debes cantar dos veces el coro o la línea en donde haya un (bis).

Coro de niñas "La Inmaculada"

Por la ciudad de Quito camina, rueda, corre y se tambalea un "Payaso triste de la noche" quien se autodefine de muchas formas entre esas "bipolar". Después de superar el trauma gramatical en la escuela y comprender el significado de morfema y lexema es más fácil comunicarse. Por ejemplo, si alguien no tiene idea de qué significa bi-polar puede recordar lo siguiente: bi (significa dos) y polar (de polos o puntos opuestos).

"El payaso triste -bipolar-"

Yo lo llamaré más bien bis-polar en honor a lo aprendido en el canto escolar. Este músico por medio de melodías y lírica cuenta historias sobre diferentes sitios de Latinoamérica y Francia, su país natal.

Sven, el payaso triste de la noche

Lo usual en un concierto de cantautores es: ver a un tipo tocar en el escenario y esperar que lo aplaudan, las excepciones de ese aburrido acontecimiento son mínimas, por ejemplo el Maestro de todos los tiempos de la trova, Hugo Idrovo, se divierte en escena y se burla de los organizadores, acompaña su canción con una anécdota, contiene la risa mientras canta, ver AL Hugo Idrovo es placentero. Sven Pagot (el payaso triste) propone un personaje parecido al de Marcel Marceau.

Marcel Marceau

Sven muestra un personaje gracioso y con una torpeza natural, esa torpeza e inocencia que tiene el clown más que la idea del payaso típico cuyo fin es divertir. Este clown triste nos transporte de París a Quito durante un recorrido de una hora, en el cual cada canción tiene una anécdota divertida, pero rodeada de un aire de melancolía (por eso es un payaso triste).

El clown tiene un aire de ser en escena, el de Sven, el payaso triste pareciera mostrar todos los experimentos que se pueden hacer en la categoría canción de autor, es decir, además de la guitarra de palo sumar otros elementos como él lo hace: usa loops, pelucas, tiene un bajista, percusión, etc.

Lo que se sabe de este payaso es que volverá a escena en la ciudad de Quito el mes de noviembre. Además está lanzando su canción "Fausto Miño" que concursará en "Canciones Imprescindibles" de Radio Pública.

EL ARTE DE LA PROPIEDAD PRIVADA O LA PROPIEDAD PRIVADA DEL ARTE

2011-08-31T16:48:00.002-05:00

Cuestiones al sistema

Por: Adela De Labastida C.

En una calle de Quito

se podía leer en letras rojas:

“Señor, si este muro es el límite de su propiedad,

déjeme decorar sus limitaciones”.

Hay algunas personas que creen que la vida está hecha para acumular… todo es acumulable, lo tangible y lo intangible. Algunos acumulan trajes, objetos antiguos, casas, negocios, joyas, dinero, arte: propiedades y títulos de propiedad. La célebre Sra. Corazón Aquino, ex mandataria de Filipinas, se jactaba en un momento de poseer en su guardarropas personal más de 1500 pares de zapatos. También las relaciones son acumulables: “mi mujer”, “mi hijo”, “mi marido”, “mi familia”.

Hasta lo intangible se vuelve de pura y vulgar materia, por obra y gracia de un título; el conocimiento, por ejemplo, viene certificado en títulos y diplomas que avalan su veracidad. Algunas personas, materializan el conocimiento y tienen tantos títulos, perfectamente enmarcados, que se inflan como pavos reales cada vez que un cliente cruza el umbral de su consulta. A otros ya no les gusta ser tratados como a cualquier persona, sino que, para dignarse en recibir a alguien necesitan que al apelativo común que los caracteriza, “señor, señora”, le sigan otros nominativos como “doctor, don, magíster, general, coronel, director, o gerente, o decano de…” Saberse sabio, no es bastante. Es más importante que los otros lo sepan, lo reconozcan y les den a aquellos el trato que al parecer viene protocolizado con cada título, aunque realmente no les corresponda.

Sin embargo, mientras vivimos, la propiedad nos ata como un bozal y un freno; hay que cuidarla, hay que guardarla, asegurarla y protegerla más todos los verbos que sirvan para no perderla y mejor acumularla. Y aún con el último hálito, a la muerte del abuelo rico o del padre afortunado, cuántos hermanos y hermanas, viudas, agnados y cognados se disputan a dentelladas un pedazo del botín. Cuántos viven cebando al marrano o haciendo caricias al caballo con la secreta ambición de que lo reconozcan y lo tomen en cuenta a la hora de la herencia familiar; hay quienes adelantan el proceso e incluso ayudan a dar el paso final a aquellos que, dándose cuenta que ni títulos, ni propiedades le servirán en su último viaje, balbuceantes e inconexos, ensayan decir algún sinsentido del género: “se me acaba la vida y siento que no hice lo que quería hacer…”

El célebre Jesús de Nazareth, no escribió libros, sin embargo con sus sabias palabras, los apóstoles sí lo hicieron y con un título de propiedad llamado “evangelio según tal” fundaron una gran empresa: “la iglesia”, misma que a su vez vende el cielo en

cómodas cuotas semanales y casuales. Su pensamiento se regó por todas partes, fundó y refundó culturas a su paso por los confines del mundo. Fundó también un estado, descentralizó el rito, administró los bienes según las jerarquías y capitalizó todos sus intereses.

Conocí a un hombre que también escribió varios libros. Lo conocí a través de sus escritos porque hablan, en cambio, de la iglesia de los pobres, la de la rebeldía y la subversión. Leí sus libros y comprendí su sabiduría. Las ideas eran suyas, los libros eran prestados, ¿puedo decir que la comprensión fue mía? Sus palabras bailaron en mi mente todo un yaraví y un san juanito memorables. Se mezclaron con viejos archivos de la mente y el corazón de un colectivo, los sueños pasados y presentes de la solidaridad y la comunidad; se tiñeron con luces en el sagrado gran espacio del escenario: el altar para el rito, el espacio vacío para revivir la vida. Se mezclaron y lo llamamos Cantata Escénica “Puka Runa” (mayo, 2010), tratando de revivir en todos y todas los grandes sueños de justicia. ¿Podemos decir que tenemos propiedad sobre nuestros sueños materializados? ¿Cabría pensar que no hay dueños, que quienes se llevaron al Puka Runa en el corazón, en la mente, en el ánimo, en los ojos, en los oídos o en la piel, son los verdaderos dueños?

El gobierno nacional ha declarado y titulado a Mons. Leonidas Proaño, “Personaje Símbolo Nacional”. Título merecido, quizá como hay pocos. Pero ahora, el poder clerical y secular ensayan usar el pensamiento, las palabras, las obras de Mons. Proaño, gracias a esa titulación, como quien extrae petróleo y mata la naturaleza. Ese título meritorio no ha sido en verdad para Taita Proaño, sino para que el poder tome posesión del pensamiento de Proaño y su lucha, para sacarle el jugo a placer, capitalizando sus intereses políticos. Lo mismo que intentaría hacer la Iglesia dando al cuerpo muerto del Taita, el título de propiedad de un lugar inerte, en el mausoleo de los Obispos.

Un artista del fitocolage, Germán Obando, trabajó con hojas secas, primorosamente, un retrato de Proaño (1985). Unos funcionarios de la cultura extrajeron de esa obra y con la ayuda de varios filtros de software la imagen con que vistieron una empresa de marketing para un supuesto homenaje al obispo en la Plaza Roja de Riobamba (octubre 2010). Utilizaron la obra autorizándose a sí mismos y argumentando el título de propiedad del símbolo. ¿El estado o el gobierno pueden ser los dueños de un símbolo nacional? ¿El símbolo puede desplazar el derecho del autor sobre su obra? ¿Quién es el dueño del arte?

Artistas de la escena acuerdan hacer una obra teatral en torno a otro símbolo patrio todavía no titulado: la Mama Tránsito Amaguaña. Se hunden durante 8 meses en una búsqueda investigativa que da como resultado una pieza teatral escrita y un montaje escénico. Una de ellas, lleva más de 40 años de trabajo arduo por la vida y el teatro, su saber es inmenso y sin embargo no tiene un título de propiedad que lo avale. La otra, es una joven y agresiva artista del teatro en papeleo y pretende prohibir que nadie más haga una obra con el nombre de la Mama, que ella ha separado para sí sola y que a nadie se le ocurra usar frases en kichwa porque ella también lo ha capitalizado. Declara que su trabajo personal y el de la directora son enteramente de su propiedad, porque ella tuvo “en primer lugar” la idea de hacerlo. El colmo de la acumulación capitalista irrumpe con estridencia el imaginario más ingenuo: “las estrellas son mías -le decía el negociante al Principito de Saint-Exupéry- porque a nadie más se le ha ocurrido contarlas”.

Un grupo de artistas escénicos asociados en ASOESCENA se reúnen con más sueños que objetivos y logran vislumbrar un encuentro con su propio teatro y con el público, al que llamaron Escena Libre (marzo 2010). De entre ellos, unos fungirán de coordinadores, otros de hacedores, otros de supervisores, pero todos aportarán al sueño común. Conciertan un diálogo guiado con los diferentes actores-receptores del evento –el público- quien devuelve, a su modo, la visión de lo que este grupo llama su teatro. Ocurre un intercambio de vivencias muy enriquecedor y satisfactorio y todo esto, que palpita, intenta ser recogido en un título, su propio título, la Memoria del Encuentro Escena Libre. Sin embargo, llamados a una carrera de apuestas que nadie convoca, aquellos que fungían de coordinadores, deciden unívocamente arrebatar a la asociación el título de propiedad, robarlo, sustraerle su calidad de criatura colectiva, y lo registran a su nombre y amén. Esto es mío porque yo gané, es mío porque yo lo vi primero, es mío porque usted lo dejó caer, es mío porque soy el más “vivo”. Salomón frente a las dos madres que reclamaban la maternidad de su tierno hijo, decidió partirlo en dos para saber verdaderamente quién le había dado a luz; aquella que lo había hecho, renunció a su derecho para salvarle la vida.

¿Puede el arte pertenecerle a alguien en particular? ¿Al artista porque lo hace? Tal sería el caso del arte plástico, musical y audiovisual, tal vez: al autor le pertenece la tela, la cinta magnética, el disco compacto, la película y sus reproducciones, la escultura, etc., aunque la relación, el acto mismo de apropiación del arte quede enteramente en quien lo percibe. ¿Una obra de teatro, arte vivo esculpido en hielo bajo la luz de los reflectores, le pertenece? Gracias a la tecnología de que hoy disfrutamos, el registro de cómo quedó y se presentó ¿puede suplantar a la obra en sí misma? ¿Acaso el público que la experimentó, no contribuyó a recrearla? ¿La memoria de la vivencia, de un proceso compartido, le pertenece a quiénes lo vivieron o a aquellos que lo registraron?

El arte se completa solo cuando es percibido, asumido y valorado por alguien, entonces, ¿de qué parte de la obra el artista escénico es dueño: de la mitad, de una cuarta parte, un décimo…?

En todo caso, para que exista teatro solo hacen falta el público y el artista, como señala Peter Brook. ¿En esta relación, qué viene a ser el publicista o el financista, por ejemplo? Eufemísticamente se le llama el “productor”, pero él nada produce. Él vende, intercambia, intermedia una relación buscando un beneficio. Quienes están en ese sector tercerista, llámese Estado, equipo de producción, grupo coordinador, artista polifacética, sea cual fuere su verdadera naturaleza, no es el artista en tanto creador, así que en realidad, al “productor” le corresponde todavía menos recibir el supuesto título de propiedad y, menos que menos, disponer de una obra sin tomar en cuenta a sus creadores.

Creo que nunca habrá nada más gratificante para un cantautor que escuchar, en su concierto, las notas y la letra de sus canciones coreadas por miles de espectadores, oyentes y admiradores. ¿En ese caso, quién es el dueño de su arte?

Adela De Labastida 16/06/2011

Un mundo laberinto

2011-07-19T12:32:00.007-05:00

Algunos pueden pensar que el clown es una rama en la cual no se podría topar temas que no fueran abordados con seriedad o con su alto grado de complejidad filosófica. Pero en realidad sin pre establecer qué tipo de teatro puede abordar un tema, en especial la obra de Víctor Stivelman abriendo mundos habla sobre una ciudad laberinto de la cual no se podía escapar, un lugar donde los límites cada vez se hacen más y más pequeños.

El clown permite desarrollar un mundo en el cual, un objeto puede usarse de múltiples formas y la creatividad no tiene límites. Aunque en ocasiones parezca que el clown no es más que un infante jugando a ser grande, pues por lo visto conforme crecemos tenemos más miedo de mostrarnos y de desarrollar juegos, cuando lo lúdico y el juego se separaron, nos volvimos automáticos incapaces de crear.

La obra gira en torno a la posibilidad de traspasar los muros por medio de los sueños o a través de la muerte. El personaje es un tipo que intenta jugar en un mundo en el cual el mundo industrial, hipervigilado no permite el desarrollo de actividades alternativas a las pre establecidas.

Nuestro pequeño mundo tiene cada vez más límites territoriales, culturales, incluso lingüísticos, la única forma de trascender los límites por lo visto, es vivir en una especie de esquizofrenia (para ello existen múltiples alternativas), vivir como el Minotauro misántropo de Borges o morir.

En la obra de Stivelmen, el personaje tenía un hermoso girasol enjaulado quien era su mejor amigo y lo acompañaba en su sueño de libertad

Entrevista al grupo de danza Rayuela

2011-07-10T20:00:00.006-05:00

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Valentina Guayasamín y Karina Cárdenas conversaron con ComeTeatro sobre el tema tratado en su obra de shopping chow. Hablan sobre varios temas que se muestran en la obra contada a través de danza teatro y vídeo.
Se topan temas como: la mujer objeto, la imagen de la mujer ideal, la agresividad del mercado y publicidad, todo ello abordado de forma jocosa.

Un patriota tedioso

2011-05-25T20:35:00.002-05:00

Patriota, persona que tiene amor a su patria y procura todo su bien (definición de la RAE).

Un patriota se sacrifica por la madre Patria, derrama su sangre, asume un papel de víctima. El grupo de teatro Clowndestinos mostró su obra el Patriota desde un punto de vista satírico y burlón con referencia a los famosos “héroes” de guerra cuyo final es trágico o – si tienen suerte – habrá medallas y aplausos cuando la batalla se haya acabado.

El asumir un papel o un estado de clown es complejo, ya que el actor corre el peligro de mostrar demasiado, sobreactuar, y la magia de “como si lo sucediera por primera vez” desaparece.

Desde mi butaca, siempre me he preguntado ¿qué pasaría si un factor externo al planificado en escena irrumpiría en su desarrollo? El clown se presta para jugar con el público, pero este personaje, un guerrero orgulloso de pelear por su país, esperaba una reacción específica en el público, explico la escena: el clown “dispara al espectador”, él debe fingir que la bala lo mató diciendo ¡ah!, lo siento, pero cuando me tocó a mí, su forma de “dispararme” era tan fingida que no salió ningún ¡ah!, (si algún actor está leyendo esto, le pregunto: ¿qué habría hecho?) este clown siguió y siguió fingiendo hasta volverse tedioso, finalmente, y sin mucho entusiasmo, dije: ¡AH!

Un punto complejo en el teatro es el manejo del ritmo, hay acciones lentas y acciones que cuya velocidad aumenta hasta llegar al tope y lograr un clímax, este patriota dilataba sus acciones hasta hartar y no causar gracia sino llegar a detestarlo y salir corriendo de la butaca para que te devuelvan tu dinero.

"Sin touch ni feeling ni flow"

2011-05-04T16:45:00.009-05:00

Un centauro: cuerpo de caballo, cabeza y dorso de hombre "hay centauros buenos y malos", con este concepto se muestra una constante dualidad entre el torturador, el hijo de padres que desaparecieron o como quiera interpretarse.

Una obra, a veces, nace de fragmentos de historias de personas, libros, poemas o creaciones volátiles de pensamientos, en este caso "El testimonio de un centauro plateado"recrea la persecución, tortura y desaparición de personas como por acto de magia, sin testigos, sin piedad, pero mostrando constantemente la parte humana del torturador; un personaje que orina en la esquina, que tiene familia y la ama.

estas escenas muestran lo lúdico de un personaje oscuro que tiene necesidades que lo humanizan y las actividades que desarrolla muestran un lado inocente que lo se apodera de él.

El centauro seduce a sus víctimas baila con ellas, les cubre los ojos, para luego interrogarlos y desaparecerlos con su acto de magia, justamente la obra está cargada de actos mágicos por medio de los cuales se resuelven las escenas crudas que se muestran jocosas más que dolorosas.

La obra como un rompecabezas juega con pedazos de momentos para construir una historia que muestra un monólogo juguetón que se ayuda de monigotes y secuencias de baile, pedazos de vídeo y fragmentos de música, así como bolas de colores cuyo significado queda a criterio del público.

Finalmente, la historia es contada sin touch ni feeling ni flow, lo crudo se dice con textos casi poéticos cuyo significado es complejo de entender, pero las imágenes ayudan a aclararlo, por ejemplo los monigotes tienen voz y vida propios, su situación tiene constantemente una atmósfera tensa, el actor nos transmite su mundo turbio, estas voces alternas lo enloquecen, el personaje entra y sale de escena para mostrarnos un pedazo de como pudo haber sido todos los holocaustos por los que ha pasado la humanidad.

Funciones: Testimonio de un centauro plateado

2011-05-04T15:30:00.003-05:00

Miércoles 04 y jueves 05 a las 20h00 en el Teatro Malayerba (al lado de la Iglesia del Belén)

Nacho, un músico extravagante

2011-04-20T16:02:00.014-05:00

Nacho, el músico

Transportarse en bus resulta una aventura en ocasiones desagradable, molesta, odiosa, asfixiante, etc, pero este día, después de que se subieran los vendedores de caramelos fortachones, altos y que con tono amenazador intimidaran a los pasajeros para que consumieran su poco saludable producto, un viajero que intercambia música por monedas ofreció a los pasajeros dos canciones de su tierra Buenos Aires Argentina: Blues del equipaje de la banda Mississippi y Gripe liviana.

Lo extraordinario del asunto no está en que se suba un cantante extranjero al bus sino que cada uno tiene un "algo" peculiar que los convierte en visitantes insoportables o encantadores, no solo por su voz o la onda musical sino también por su gestualidad. Este cantante es el músico más exagerado que he visto, pero exagerado porque cuando hacía que la mano derecha rasgara las cuerdas de la guitarra todo su cuerpo tenía la intención de seguir la acción, es decir; sus hombros se lanzaban hacia delante cuando cambiaba de notas, sus ojos se cerraban fuertemente cuando decía cada frase de las canciones y, movía la cabeza con intención de afirmar sus oraciones. Su voz no se quedó a un lado, era gruesa (solo cuando cantaba) muy "varonil". No sé si todo ese show era natural o su intención era esconder el hecho de que no es muy diestro para tocar la guitarra o para no perder todo lo (como se dice en Ecuador) lamparoso; aclaro el término: dícese de una persona cuyos actos tienden a ser pomposos, exagerados o muy llamativos.

Fotografía Juan Pablo Neira

Nacho, el músico, tenía un sombrero bombacho, su guitarra en estuche, los bolsillos fuera de la chompa, unos zapatos extraños, la pinta de un rock star sin mucho presupuesto.

Para terminar su intervención pidió aplausos y dijo unas palabras graciosas, el efecto que tuvo sobre los pasajeros fue masivo, puesto que antes de que él subiera hubo la visita de dos carameleros desagradables (como se contó en líneas anteriores), la gente aplaudió y lo más importante, llenó su sombrero con monedas.

Fotografía Juan Pablo Neira

"Pelado el pollo"

2011-04-11T18:19:00.007-05:00

El teatro y su función política continúan, esta vez el Presidente de la República del Ecuador convoca a Consulta Popular a los ciudadanos como un indicio de Democracia.

Existen diversas y originales campañas electorales, en este caso, el teatrero de la calle, Carlos Michelena, traspasó el espacio público no virtual, al espacio público virtual, libre y común: YouTube con un objetivo claro: No a la consulta popular.

A lo largo de la historia del teatro, éste ha sido un medio y espacio para comunicar el descontento por la forma de gobernar de un mandatario elegido democráticamente o de un dictador. Carlos Michelena usa el humor y la lengua popular para que el mensaje sea entendido, el Gobierno, cuya campaña está por el Sí a la consulta aún no ha elaborado mensajes claros, comunes y que aclaren la dificultad de las preguntas que necesitan ser "traducidas" a lenguaje común y minimizar la metalingüística dominada por los doctos en temas jurídicos o los curiosos que se toman el tiempo necesario para autoeducarse.

En estos tiempos el espacio público se ha perdido, el nuevo espacio público es el de las redes sociales, Michelena y otros ciudadanos lo han aprovechado para hacer uso de su libertad de expresión.

El día del teatro se celebró en el Tingo

2011-04-01T17:24:00.010-05:00

Cortesía Xona bastarda

Percusión, risas, música, una fiesta casi familiar. La sensación de tranquilidad ha desaparecido, pero días festivos son siempre un buen pretexto para reunir a los vecinos del barrio y recuperar sensaciones, explotar la creatividad y contagiarnos por el mundo paralelo y esquizofrénico que es en ocasiones el teatro.

Este domingo 26 de marzo de 2011 el grupo de teatro "Xona Bastarda" llevó a cabo una celebración poco usual (pues no es algo que ocurra todos los días) en el Tingo. El grupo mostró, por medio de performance, pequeños episodios de una de sus obras teatrales, cada muestra contaba con música, trabajo corporal y poco texto.

Comunicar sin textos requiere tener un trabajo corporal más impecable, hacer una muestra de danza teatro es riesgoso, pues se debe tener en claro el por qué y para qué de los movimientos, claro que esta afirmación es cuestionable, pero si no hay un objetivo planteado, entonces el espectador no sentirá nada y no entenderá e incluso el mismo actor puede sentir el vacío insoportable después de la función.

En este caso, Xona Bastarda con la actuación de Camilo Orozco, propuso una puesta con movimientos rápidos, precisos y cuyo objetivo era claro, incluso el actor mantuvo una mirada firme que comunicaba tanto como su cuerpo.

La comunicación con el cuerpo es constante e inevitable, por eso un actor debe tomar en cuenta su corporeidad, indagar, descubrir cómo puede ayudar un movimiento en escena. El hacer por hacer no es criticable (opinan) pero es un riesgo puesto que se pierden actos que son más importantes en escena que un capricho del actor.

Después de los performance, un par de clowns argentinos decidieron romper la "ceremonia" que tiene el teatro he incitaron a que la gente cantara y se contagiara de su alegría con tinte negro. El clown es una rama que requiere gran creatividad y texto o comunicación no verbal trabajada, en este caso este par de "payasos" trabajaron con un lenguaje sencillo acompañado de música. Un acordión y una seudo guitarra cantaban, contaban, personalizaban historias medio macabras que de tanta risa, aplausos e improvisación (típica del clown) la gente olvidó a su compañera eterna: la vergüenza. Un gran acierto del teatro es permitir que los individuos se desinhiban y dejen que el ser surja, el clown es un medio para ser y no pretender ser.

El día del teatro se celebró como en familia, ya que Xona Bastarda prestó su casa y su teatro para acoger a niños y adultos con el fin de compartir un mismo amor: el arte.

¿Qué es un director escénico?

2011-03-30T15:56:00.007-05:00

Un director escénico, según los doctos es quien se encarga de crear un montaje en el que las piezas estén en el lugar correcto, la composición de las imágenes sean impecables e reinterpreta el texto de un dramaturgo. Lo dicho es cuestionable, ya que cuando somos niños armamos montajes escénicos con escenografía incluida y hay roles asignados, y por supuesto, hay un director. En este caso se podría decir que un director es quien recrea una situación y planifica cómo se va a llevar a cabo una puesta en escena, respetando también la propuesta de los actores.

La mayor parte del tiempo somos actores o directores puesto que adoptamos ciertos papeles y roles, sin necesidad de estar en un grupo de teatro reconocido o haber estudiado en una academia para considerarnos directores.

Traigo esto a colación, ya que una banda de la ciudad de Quito llamada "Barbie Express" hizo una puesta en escena mientras tocaba la canción: alcohólico conocido, y alcohólico desconocido del cantautor Sven Pagot; uno de sus integrantes: (David Bonilla) armó una situación en la que el "actor" (que no es actor sino músico) interpreta a un mesero torpe, pero gracioso que a la vez es borracho (ver vídeo).

La escena tuvo lo que dicen las reglas del teatro clásico: circunstancias dadas, de dónde viene el personaje, qué hace, por qué lo hace, para qué, quién es.

Un sujeto común que no es un "director" de teatro ni fue a una escuela ni a talleres pudo hacer un montaje divertido y convincente que superó a algunos actores y directores experimentados cuyo personaje similar al de un clown podrían hacer lo mismo, pero sin naturalidad.

2011-03-23T14:26:00.002-05:00

El octavo encuentro de mujeres en escena inició el lunes 21 de marzo. Si desea enterarse del cronograma de los eventos que se están realizando haga click aquí

¿Doña Filomena pierde su diadema?

2011-01-27T16:09:00.011-05:00

El grupo de teatro La Rana Sabia presentó la obra infantil: Doña Filomena pierde su diadema en La Rana Sabia (un pequeños espacio para cuarenta personas ubicado un kilómetro antes de la Merced).

La historia se cuenta por medio de cinco títeres personificados con prejuicios sociales, y como es característico de La Rana Sabia, contienen una carga de humor negro en sus diálogos. Humor negro para la vista de un adulto, pero un muestrario de concepciones típicas de los adultos ante el ojo de los niños.

Por ejemplo, una dama de sociedad, llamada: Doña Filomena, prepara un pastele para una reunión de caridad, viste un terno elegante y porta un collar que le regaló el ..... Chugchucara.

El gato mirrimiaus es un cuadrúpedo traidor, ya que es el encargado de resolver el misterio de la desaparición del collar de la Doña, pero se convierte en cómplice del ladrón. El "supuesto" culpable es un fontanero que se llama: Dedos Finos, lindo nombre para un proletario cuyo trabajo es esporádico y su vestimenta es básica: pantalón de tela barata y camisa mal puesta.

El encargado de culpar al proletario es el "Detective de Pacotilla" nombre que le quedó como anillo al dedo, ya que cuando el verdadero ladrón del collar: un ratón intruso deja el objeto en la casa porque nota que no tiene valor monetario sino sentimental y decido llevarse un jarrón como se dice en Quito: aniñado.

El detective de Pacotilla, va a la casa de Doña Filomena para resolver el misterio de la desparición del collar mas no la del jarrón, por lo tanto decide marcharse y no resolver más misterios.

Doña Filomena

La obra intenta resaltar la conciencia de honestidad dentro de los infantes, y lo logró, ya que durante toda la obra los niños le decían al gato y al ratón: "no cojas eso que no es tuyo"

Aunque la idea central de la obra se enfocó en que no se debe robar al vecino, los niños estaban más interesados en el hecho de que Doña Filomena, al inicio, introdujo su "papel" con la actividad de: hacer un pastel. Por el hecho de que en las escuelas tradicionales de teatro se remarque la necesidad de darle una actividad al personaje, en el teatro para niños, seguir esta "regla" puede causar que se pierda el objetivo central.

En este caso los niños estuvieron pendientes de que el pastel no se quemara, de por qué se comió el pastel el fontanero. En general el objetivo: "no robes a tu prójimo" no pudo mantenerse muy firme, a pesar del gran manejo de los títeres.

el collar, mirrimiaus y el ratón

Personalmente, considero que la obra no tiene un cierre, pues me quedé con la sensación de que no me contaron toda la historia, si bien estuvo bien claros los sarcasmos y el humor negro, no quedó bien resuelta la historia. No tiene por qué haber un final, pero es desagradable quedarse con la sensación de: Y???

Detective Pacotilla

León Sierra da algunos tips para dirección actoral

2011-01-21T16:11:00.008-05:00

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En Ecuador no existe una escuela que enseñe a los Directores de teatro a dirigir obras de teatro, por ello, esta entrevista tiene una larga duración, puesto que tiene como intención que los lectores de este blog encuentren algunas cosas que podría ayudarles a adquirir mayor conocimiento y despejar dudas en cuanto a dirección actoral se refiere.

Todos los comentarios o críticas serán bienvenidas.

Algunos directores son atrevidos

2011-01-19T18:29:00.018-05:00

Fotografía Manuel Calle

El actor requiere "disciplina, puntualidad y trabajo riguroso", hacer sus tareas en casa, trabajar en sus falencias, y sobre todo, estar dispuesto a abrir su mente y corazón para dejar que nazca de él un personaje.

Suena a fórmula o receta, ya lo sé, pero ¿qué tal si el actor o —quien pretende llegar a ser un actor—, encontrase un lugar en donde la técnica importa, pero es más importante el propio proceso y descubrimiento del individuo para llegar al personaje?

No es un anuncio publicitario, suena como tal, pero el Estudio de actores, un lugar en donde el actor no se ve presionado por tener que elaborar un trabajo perfecto para presentarlo en cierto plazo.

Bajo la dirección y tutoría de León Sierra, los individuos descubren a los personajes por medio de técnicas básicas, pero no por básicas son fáciles. El director, propone primero, el trabajo de mesa: sentarse a leer el pedazo de escena que se quiere representar, luego descubrir los objetivos de cada personaje; es decir ¿qué es lo que quiere el personaje en esa escena? y ¿por qué y para qué lo quiere?

Pero, ¿qué pasaría si el director no estuviera de acuerdo con el objetivo?

León Sierra dice que ocurriría que tanto actor como director concilien las aspiraciones con la realidad que ocurre en el escenario, significa que el director concilia "el aquí y ahora".

El calentamiento, también es un fase importante antes de asumir el personaje, puesto que el cuerpo se suelta, los músculos se relajan. En este pequeño escenario el director insiste en que dentro del calentamiento los actores deben ser conscientes el uno del otro. El entrenamiento individual se vuelve dual, en este caso.

Por medio de la preparación física se va construyendo el hecho de asimilar la presencia del otro en escena, y por medio de juegos, desafíos físicos, los actores plantearon el inicio del conflicto.

Después, viene la parte de vestir al personaje. Aunque algunos lo crean un indicio de consumismo, pero el dar una vestimenta al nuevo individuo en escena incluye meterse en su piel; es decir, el actor no saldría a la calle con un atuendo del siglo XIX.

Una vez descubiertos los objetivos se pide a los actores que hagan una improvisación para descubrir las acciones que requieren realizar para conseguir sus objetivos.

Por medio de este desarrollo se van creando vínculos, de aquí nace el sentido de verdad en el teatro. Si el actor no se cree lo que está viviendo, tampoco, el público lo creará.

Nuevamente se evoca al "aquí y ahora", y más aún al hecho de ser conocer las circunstancias que está viviendo el personaje en la escena, puesto que ello le ayudará a descubrir por qué y para qué va a realizar una acción.

En el estudio de actores, los actores primerisos o experimentados desarrollan su proceso y técnicas, según sus destrezas, su director les ayuda a descubrirse y desarrollarse para después hacer propuestas por sí solos.

Los actores que aparecen en la fotografía decidieron hacer una escena de la obra teatral "La Gaviota" de Antón Chéjov, un dramaturgo complejo, quienes se arriesgan a dirigir sus obras están conscientes de la dificultad del proceso que conlleva lograr una puesta creíble, y, sobre todo, crear vínculos entre los personajes que sean creíbles tanto para ellos como para el público.

León Sierra tomó el desafío y dice que por qué no tomar autores complejos e interpela al hecho de que se los crea intocables. Definitivamente este es un crítico, actor y director que le gusta tomar riesgos.

¿En qué rayos pensaba Jardiel Poncela?

2010-12-13T22:17:00.008-05:00

El consejo más útil que transmiten en la escuela de Periodismo es: "jamás escribir con rabia", pero en serio en ¿qué pensaba Jardiel Poncela cuando escribió una puesta que gira en torno al amor, por medio de una alegoría? Se trata sobre una fórmula para encontrar el amor verdadero, el amor puro y posible entre una mujer lunática con una familia desquiciada y un viejo novelista cuyas historias tratan sobre definiciones de amor.

Aurelia y Ramiro (Dirección de Marcelo Luje PUCE)

Una palabra tan común -amor- ha sido motivo de ensayos, proyectos audiovisuales, cuentos, análisis, incluso fórmulas matemáticas, y, mi favorito, juego de palabras; el sustantivo que ha recorrido un largo viaje a través de la historia, ha mutado e incluso se ha vuelto tan menospreciado como decir ¡huga huga! . Claro que no se le puede restar su motivo trágico, por ejemplo, en las obras de Shakepeare aunque no me queda claro si es amor, ilusión o una loca pasión caprichosa, es un buen motivo para generar drama. Por otro lado, Romeo y Julieta dejan claro que el amor verdadero solo podría existir en el mundo ideal, mas no en el real, por esa razón terminaron con sus vidas, por ese asumir como verdad absoluta que es mejor morir a caer en la mentira más grande del mundo: creer que es posible enamorarse.

Bueno, en el caso de la obra escrita por el dramaturgo Poncela: el amor del perro y el gato, la alegoría consiste en que se puede dar el amor ideal entre un sujeto que ame los perros y otro que ame a los gatos. El primero necesita ser amado y por eso prefiere los perros y, el otro necesita que lo amen, de esta manera se descubre el amor verdadero. O el dramaturgo tenía una fascinación extraordinaria por los animales o descubrió la fórmula más simple todos los tiempos. Su personaje feminino: Aurelia, una joven que no soporta estar sentada mientras otros están de pie: es una manía que superior a mis fuerzas y que, en ocasiones, me hace padecer muchísimo. La locura de esta mujer es contagiosa, o tal vez porque es un personaje que formó parte de mí durante mucho tiempo. Aurelia tiene el ansia incontenible "por ser feliz": Ya se sabe que todo el mundo siente el ansia de ser feliz; pero tal como yo la siento no la siente nadie; por eso la llamo manía. Porque esty harta de comprobar que a las gentes, en general, les preocupa el ansia de ser feliz... pero poco.

En la cotidianidad es común escuchar que la gente dice que no es feliz, no sé si en el mundo del teatro una parte de los personajes se queda tanto en el espectador como en el actor, pero es claro que muchos se esfuerzan por fingir infelicidad cuando en realidad su estilo de vida apunta a la individualidad y egoísmo, dos ingredientes para ser felices de forma egoísta, pero felices al fin.

¿Por qué esta mujer preguntona, curiosa, que cree saber todo, menos sobre el amor, acude a donde un escritor viejo y poco agraciado para realizarle una entrevista? Pues ella supone que no hay nadie que sabe más sobre "el alma que quien se dedica a estudiarla" este escritor es el especialista y da respuestas coherentes como: la felicidad es el estado de conciencia de que se es feliz (...) es decir que la felicidad es un engaño, un creer que uno es feliz.

Al final de la obra se habla sobre el amor resolviendo toda la incógita y misterio según la alegoría antes explicada, una vez más los ilusos lectores y espectadores hemos sido engañados con un tema común y de interés colectivo: el amor verdadero.

La creatividad, torpeza y agilidad se fusionaron en "Circo Teatro Mandrágora"

2010-12-07T14:07:00.001-05:00

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La "Rana Sabia" nos maravilló con el personaje Maqueño

2010-12-04T19:58:00.004-05:00

Claudia Monsalve y Fernando Moncayo

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¡Cuéntame un cuento "Rana Sabia"!

2010-12-04T19:26:00.006-05:00

Un conjunto de retazos de telas de colores, pegamento, pintura, relleno, lana, más una expresión facial y listo tenemos un títere que adoptará una voz, postura, carácter, tendrá objetivos y conflictos en escena.
Es grandioso cómo un niño, adolescente o adulto puede expresar y aprender por medio del teatro. El grupo "La Rana Sabia" construyó su puesta en escena en base a seres de verdad que luego serían títeres con voces graciosas y sus diálogos tendrían un humor negro para público de todas las edades.

Maqueño, el niño—títere— como todos los niños quiere que le cuenten un cuento, pero los padres están ocupados o cansados, por lo cual, el pequeño decide salir a la calle para encontrar a alguien que conozca un cuento y se lo pueda contar. Maqueño, un pequeño, curioso y confiado habla con extraños, conoce personajes extravagantes como una pájara, un gusano, un tigre, incluso un ángel y un diablo huma.

"Cuéntame un Cuento" está cargado de símbolos que tienen que ver con la ecuatorianidad y contiene espacios comunes, para los quiteños como las Iglesias del Centro Histórico, las fiestas de pueblo, y claro, recursos que evocan a la imaginación de los infantes.

Por medio del teatro los niños pueden aprender, dice Fernando Moncayo, en el caso de la obra teatral: "Cuéntame un Cuento" se recalca lo importante que es avanzar y, además, recalca es importante recuperar la convivencia en barrio, no podemos vivir siempre con miedo. Por medio del personaje Maqueño conocemos a una pájara mentirosa que dice haber puesto un huevo de color verde, Maqueño le pide que se lo muestre, pero la pájara niega haber admitido que ella puso un huevo verde, el niño le dice: eres mentirosa como los políticos.

Las lecturas que se puede hacer de la obra son varias, es cierto, pero una obra no sería increíble si no tuviera ciertos matices de denuncia o al menos contenido. Para un niño aprender a avanzar y luchar por aquello en lo que un niño cree.

Maqueño se encuentra con un gusano dentro de una manzana que queda desamparado porque Maqueño se comió su casa, el gusano malgeniado sale en busca de otro lugar para vivir, luego de cruzarse con este poco elocuente invertebrado, conoce a un tigre que huye de su amo. Este encuentro es especial, ya que el tigre teme al niño y le dice que su temor se debe a que los niños maltratan "a sus primos, los gatos". Hay niños que por curiosidad, y su singular grado de malicia "inocente", han botado a un gato del quinto piso para comprobar si cae de pie o han hecho algún experimento para probar la veracidad de los mitos.

Por otro lado, con el personaje del león, se muestra el abuso que se comenten con los animales de circo, puesto que el tigre huyó de su domador para encontrar la libertad. El personaje del domador es muy jocoso, ya que muestra lo que no se dice en un circo. Piense en lo siguiente: si usted tuviera que meter la cabeza en la boca de un tigre para llenar el circo de aplausos ¿no sentiría miedo? ¿no se haría pis en los pantalones? Pues este entrenador confiesa a Maqueño que le da mucho miedo hacer trucos con el animal, pero el personaje se ve tan ridículo que causa gracia.
Finalmente, Maqueño se encuentra con una niña en el parque y le cuenta sus aventuras. Para esta última parte el grupo "Rana Sabia" utilizó un libro de cuentos de gran tamaño con dibujos del personaje con los otros, una forma muy inteligente de resolver el final, pues otros seguramente habrían sacado a los personajes a bailar en escena.

En cuanto al trabajo corporal, si bien no es notorio porque los actores que manejan los títeres visten completamente de negro para no ser notados, lo genial es que la corporeidad del títere es igual a la del actor. Me pareció muy atractivo que incluso para decir una línea el cuerpo del actor se retorcía un poco, algo muy necesario para que el títere tenga vida y no sea un trapo manipulable frío y opaco.

Ficha artística:
Títeres: Claudia Monsalve y Augusto Labanda
Dramaturgia: Fernando Moncayo (Cuento de Claudia Monsalve)
Dirección: Fernando Moncayo
Técnica: Mixta en cámara negra

Elena Vargas habla sobre el teatro joven en Ecuador

2010-11-27T22:47:00.002-05:00

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Los libros suenan en el Mundo Juvenil e infantil

2010-11-27T19:58:00.000-05:00

Ignacio, Rafa, Mangu y Sergio presentaron la obra: "los libros suenan".
Escuchen el reportaje de la obra:
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Música para ver, sentir y crear en el bar la Estación en UIO

2010-11-24T23:36:00.005-05:00

Dentro del festival Sudaka 3 estuvo una propuesta que fusionó música e imagen, pero cada uno por canales diferentes. Si bien acostumbramos ver ambos lenguajes unidos, el proyecto "Música para ver" de Colombia. A continuación les presento una entrevista on line con Juan Camilo.

¿En qué consiste la propuesta del proyecto: música para ver?

Es un colectivo de músicos y artistas visuales que integran imagen en movimiento con música en vivo buscando generar en el espectador una experiencia sensorial. La propuesta está integrada por Juan Camilo Méndez y Lucas torres , y el performance visual creado por Juan Camilo Amaris

¿Y las imágenes y la música en q aspectos concuerdan, es decir la imagen y la música tienen concordancia de velocidad, ritmo, tiempos?
directa o indirectamente la imagen y la música en su contenido se integran generando una sola atmósfera proponemos un juego de asociación en el que en algunos momentos música e imagen coinciden rítmicamente

¿Tú te encargas de las imágenes? ¿Cómo es este proceso. Un día sólo decides salir a filmar y ves que encuentras en el camino o son imágenes que ya tienen en mente y hacen la composición?

el encargado de la imagen es Juan Camilo Amaris el crea la mayoría de las imágenes y la otra parte de las imágenes son imágenes de archivo o edición de otros referentes sean fílmicos o de bases de datos por Internet.

¿Cómo son esas imágenes de archivo?

existen lugares en Internet donde hay free stocking, en donde el selecciona las imágenes con las cuales el se siente identificado las interviene, edita para finalmente aplicarlas al proyecto lo que se ve en el vídeo son pequeños fragmentos de la propuesta en vivo con respecto al vídeo.

¿Cómo se les ocurrió el proyecto? un día se sentaron a hablar y dijeron:queremos hacer lo siguiente y ya o como fue?

música para ver es el resultado del interés personal de cada uno de los integrantes tanto por la música y como por las artes visuales, después de haber participado los tres en distintos proyectos musicales, sentimos la necesidad de integrar la imagen como un elemento fundamental

¿En cuanto al proceso de creación una vez que tienen la imagen o la música se reunen para componer según uno de estos elementos o la composición es paralela?

Partimos en principio de una idea musical a la la cual se le suma la imagen y de esta retroalimentación se genera un desarrollo de la pieza. es un un proceso intuitivo y experimental
no hay un único método.

¿En el tiempo de vida que lleva el proyecto en qué lugares se ha mostrado?

El proyecto nació a principios de este año y participó en el festival Sudaka 3, el festival experimental universitario SOUNCOCHO, en fiestas privadas, espacios alternativos e independientes como: galería 15 - 16 en Bogotá, en el café bar el Anónimo. La propuesta consiste en un collage local con elementos universales.

¿Y cuándo preguntan a la gente qué les parece la propuesta qué les responden?
según lo que veo es extravagante, diferente, entonces es algo novedoso.

Un poco de todo algunas personas tienen una actitud contemplativa otras en cambio participan de una forma mas activa bailando aplaudiendo, pero en general manifiestan sorpresa e inquietud no consideramos que sea novedoso del todo pues ya existen antecedentes que pueden encontrarse desde el cine mudo hasta velvet underground.

¿Tal vez la gente no puede encasillar porque jamás han escuchado un propuesta igual?

Tienes razón ya que esto es precisamente lo que queremos lograr borrar los limites entre géneros mejor disolver los límites.

¿Y musicalmente hablando cómo rompen esos límites?

Más que romper es fusionar elementos de los distintos géneros para lograr un resultado inesperado e indeterminado.

¿Y qué fusionan?

Específicamente para este proyecto unimos ritmos de la región atlántica de Colombia con dancehall, dub, reggae, funk, house, rock

¿Qué le espera a la gente que va a ir este jueves 25 al bar la Estación en UIO?

SHOW EN VIVO imágenes y sonidos abiertos al público para que ellos creen su propia imagen a partir de su propia experiencia y gozadera. ¡Buena vibra!

Gris sobre gris muestra la animalidad humana

2010-11-21T15:26:00.005-05:00

Cuando era niña el regalo más bonito era una caja de música. un pequeño aparato que emitía un sonido arrullante, y cuando la abría para ver cómo estaba hecha descubría una especie de piano pequeño cuyas teclas de metal se accionaban al entrar en contacto con un círculo que tenía protuberancias y daba vuelta en cierto ritmo.
Lo primero que se me ocurrió al sentarme frente al escenario fue que el sonido que se escuchaba en ese instante, aunque inspiraba miedo, era muy semejante al de una caja de música. Después de escucharlo durante unos minutos pensé en el órgano que hay en las iglesias y en las canciones que se escucha en la "misa campal", canciones por bellas y emotivas que sean el sonido que sale por los tubos de metal son terroríficos.

Gris sobre gris obra dirigida por Franco Muñoz estremece al público con su propuesta que contiene violencia sicológica y física abierta. La idea del grupo "Medida x medida" consiste en hablar sobre la trata de personas y para ello maneja un discurso completamente diferente. Se han presentado obras en las que el mismo tema se maneja de forma emotiva, pero este grupo decidió mostrar la parte animal y esclavista de la trata de personas.
Las imágenes que miramos durante la obra son muy crudas, por ejemplo vemos a dos hombres que imitan tener una pelea canina, se atacan entre ellos y son manipulados por dos mujeres, todos deben obedecer y complacer al "amo mayor".
Se contempla dentro de la obra derechos que tienen las personas en esta comunidad recreada: está permitido hacer experimentos con personas, está permitido tirar pedazos de carne humana (...)
Muestran el maltrato físico de hombre por el hombre, miden cada extremidad del cuerpo de las mujeres y las anotan en una tabla para ver si su carne tiene "valor". La luz tenue durante toda la obra inspira un aire de terror y da la sensación de encontrarnos en una fábrica en donde la única escapatoria es la muerte inevitable.
El tema "trata de personas" se maneja desde el punto de vista de esclavitud y sometimiento incluso se insinúa el hecho de que cuando una persona lo asume y no ve más escapatoria incluso se convierte en nuevo esclavista.
Esta propuesta de teatro joven explora formas de comunicación completamente nuevas, es decir no vemos un teatro antropológico común ni una construcción de personaje a partir de los clásicos. Conocemos la obra por medio del mágico ¿si?; es decir, si yo estuviera en esta situación qué haría? La actuación de cada persona fue muy convincente, se creyeron y metieron en esa situación, la sala se llenó de una atmósfera de temor, un aire frío que contagiaba el hecho de no saber qué iba a pasar con esas mujeres y hombres que estaban en escena e incluso el instinto de querer salvarles estuvo presente en el teatro.
Este grupo mostró la nueva forma de hacer teatro y logró llenar de aplausos al final de la obra y tener a un público que viajó por el espacio de la injusticia y esclavitud junto con "Medida por medida"

Gerson Guerra

2010-11-20T20:32:00.001-05:00

Entrevista

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Pablo Roldán

2010-11-20T18:23:00.001-05:00

organizador del festival sudaka 3
Entrevista:
cuenta sobre cómo nació la idea de armar el festival, quién auspció, cómo consiguió contactar con obras y actores de otros países.

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Entrevista a Jorge Villegas

2010-11-19T12:51:00.003-05:00

Jorge Villegas es director de teatro y participó en el taller de dramaturgia política en el Festival Sudaka 3.

Escuchen una pequeña entrevista:
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La comedia también es glotona

2010-11-18T22:58:00.006-05:00

Un montaje bien logrado con poca escenografía. La silla en mitad del escenario, cerca del hay público dos mesas con cerveza y una vela en el centro. Punto. El actor entra, la gente recelosa no sabe si tomar el vaso de cerveza o descubrir qué será que hace el actor, ¿será que el actor se va a acabar las botellas?. Nadie sabe bien para qué han puesto dos mesas a cinco centímetros de las butacas el misterio se resuelve luego.

El actor entra para contar una historia sobre un tal gordo Méndez, un glotón enamorado de la comida y de una bella y delicada dama. La aventura del gordo se narra en una hora y media, en la que el público, no puede dejar de reír. Aunque algo no sea gracioso, el cómo se dice lo vuelve la broma más bien contada de la noche.
Por ejemplo, Daniel Aguirre usó ciertos códigos característico de nacionalidades: argentina, mexicana e incluso ecuatoriana.
La historia del gordo enamorado consiste en su objetivo casi obsesivo de entrar a la fiesta de su "chica inalcanzable" y para ello debe fingir que toca el contrabajo, la ventaja del gordo es que puede reproducir con su boca lo que no logra en el instrumento, por lo cual sale bien librado al fingir que el bajo se destroza "accidentalmente" e improvisa con la boca.
La historia suena fácil de resolver, pero en realidad para que el personaje logre su objetivo debió pasar por convencer al contrabajista (argentino) que fingiera una enfermedad, destrozar el bajo sin que nadie se diera cuenta de su verdadera intención para finalmente conquistar a la dama.
El gordo Méndez no es el único en esta historia, la chica, el padre, el mariachi, todos representados por uno solo. Para diferenciar a este uno solo de los otros, el actor jugó con ritmos, formas de desplazarse en el escenario, formas de hablar.
En ocasiones las acciones eran rápida, luego muy leeeeennnntasss y después, el narrador rompía la continuidad supuesta que se esperaba. El tipo de propuesta que presentó Daniel Aguirre fue novedosa, ya que es muy raro ver en escena un trabajo con ritmos.
Las rupturas temporales ayudaron a que el público no perdiera el interés, ya que con los chistes que en ese momento se le ocurrían al actor más la interacción con el público, como invitarle a brindar por la "chica imposible" darle un abrazo a uno de los presentes, coquetear con la chica de la butaca y demás, hicieron que el público se incluyera en la atmósfera escénica.
Daniel se tomó todo el tiempo necesario para reproducir la forma de hablar, manejar la velocidad de la escena, desplazarse, describir al personaje, cada momento fue particular.
Por ejemplo, el gordo, a pesar de que el actor no sea gordo, la descripción de las piernas moviéndose de un lado a otro, los rollos que cuelgan de sus caderas, sus brazos gelatinosos, su cuello enorme y cómo cada parte del cuerpo es hiperbolizada, vuelve la imagen impecable y capaz de ser vista por el público.

2010-11-18T21:09:00.008-05:00

Hay diversas formas de contar un cuento, cuando somos niños nos cuentan fábulas fantásticas, historias de reyes, princesas con finales felices. Los cuentos, si se leen entre líneas, tienen contenidos crueles camuflados por "finales esperados".

El cuento de María Isabel Bosch (Contando a mi abuelo) no se cuenta a un niño antes de que se duerma, tampoco se arma un círculo que rodea a un solo y frío narrador, con nivel de voz lineal; este cuento es especial.
Contando a mi abuelo de Juan Bosch (ex presidente de República Dominicana y escritor) tiene tres historias: Dos pesos de agua, Los amos y el algarrobo. Narra situaciones trágicas, misteriosas con imágenes claras, espacios sin mucha luz y un clima que inspira soledad, calor infernal, frío que congela.

—De pequeña muchas veces oí decir, que yo, era la nieta del loco. Realmente no entendía por qué se decía que mi abuelo era el loco. No comprendía muy bien del todo la definición de locura. Sólo sabía que se trataba de algo que provocaba la risa y la burla de los demás. “La nieta del loco”, una y otra vez resonaron esas palabras dentro de mi cabeza. Con el tiempo, empecé a ver cómo eran las cosas realmente, comprendí con alegría que esa enajenación adjudicada a mi abuelo constituyó la mayor sabiduría que pudo disfrutar mi país.—

El manejo corporal fue la herramienta principal para contar la historia de una abuela que quiere salvar a su nieto, un amo esclavista y un personaje que no alcanzo a definir, que en ocasiones parecía estar poseído por el furor extremo, la piedra de la locura que se introducía cada vez más profundo.
El énfasis de la palabra brilla gracias al juego corporal y tonal. Lo excitante de la puesta fue la voz, ademán, forma de moverse, tic, impulso VIDA que tenía cada personaje.

Estoy consciente de que la narración en este post, querido lector, tiene un tono informal, pero se debe a que la puesta fue tan "atrevida" que la reseña será tan atrevida como pueda.

Las tres narraciones fueron juntadas, suena extraño y confuso, pero en realidad el manejo de la luz ayudó a cambiar de escenarios. La ventaja fue que los cuentos tenían en común el sufrimiento de los personajes, el querer y no poder. Una abuela que no sabía bien hacia dónde ir y hasta que al final la inundación por tanta lluvia cubrió su cuerpo por completo. La abuela jorobada, débil, con voz frágil que se asemejaba a un hilo delgado a punto de romperse por tanto estirarlo.

POF! sin esperarlo la actriz pasa a otro estado anímico y corporeidad para cortar la historia de la abuela y trasladarnos hasta un patrón con ademanes toscos, que se agarra la entrepierna, su columna se inclina ligeramente hacia atrás para hablar con su criado. El criado cuyo pie está torcido, de su pecho sale una imitación de voz, sin fuerza e hiperventilación.

La silueta que se arma a contraluz inspira una imagen perfecta, como una estatua moldeada con delicadez y perfección. El tipo de trabajo de la actriz, me atrevo a decir que se basó en precisión, juego con los tonos graves y agudos de la voz, exploración de cada cavidad del cuerpo. No sé cuánto tiempo le tomó descubrir y formar a cada personaje, pero es una de las primeras obras que he tenido la oportunidad de ver la combinación perfecta entre trabajo corporal y trabajo sicológico del personaje.

Danza Clown con Julia Muzzio

2010-10-09T21:51:00.002-05:00

4to Encuentro Internacional de Clown

2010-10-09T21:02:00.002-05:00

El Grupo de Teatro La Muralla presenta el 4to ENCUENTRO INTERNACIONAL DE TEATRO CLOWN. Estarán presentes agrupaciones de Argentina, Brasil, Bolivia, Colombia y Ecuador. Del 4 al 29 de octubre más de quince ciudades de la sierra y la amazonía disfrutarán de las narices rojas y sus ocurrencias.
www.teatrolamuralla.blogspot.com

La vida no deja de ser un escenario de desdichas

2010-10-03T16:53:00.001-05:00

En la habitación:
El vaso de vidrio usado, sucio con líquido pasado sobre la mesa
Ella con su cabello alborotado sin poder respirar bien.
Está sentada en diagonal a su acompañante
Él come con tranquilidad y prevé lo que ella va a decir, no presta atención porque ya tiene la respuesta.
Está a la cabecera de la mesa.

Ella:
con la respiración agitada (beberá agua cada que las palabras se atranquen en su garganta) no sabe qué decir aunque en el camino a la casa de su ex- amante practicaba lo que quería decir como si fueran textos de una obra de teatro que vio alguna vez y los recordó.

He venido aquí para decirte (bebe un bocado de agua agitadamente) que (evoca a Chéjov: el amor del perro y el gato). nota: esta mujer no puede pensar por sí misma y lo único que se le ocurre es decir frases que ha escuchado o ha leído. siento el "ansia de ser feliz". (toma un libro de su maleta y lee en voz alta):

Querido,
estoy segura de que, de nuevo, me vuelvo loca. Creo que no puedo superar otra de aquellas terribles temporadas. No voy a curarme en esta ocasión. He empezado a oír voces y no me puedo concentrar. Por lo tanto, estoy haciendo lo que me parece mejor. Tu me has dado la mayor felicidad posible. Has sido en todo momento todo lo que uno puede ser. No creo que dos personas hayan sido más felices hasta el momento en que sobrevino esta terrible enfermedad. No puedo luchar por más tiempo. Sé que estoy destrozando tu vida, que sin mí podrías trabajar. Y lo harás, lo sé. Te das cuenta, ni siquiera puedo escribir esto correctamente. No puedo leer. Cuanto te quiero decir es que te debo toda la felicidad de mi vida. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirte... todo el mundo lo sabe. Si alguien podía salvarme, hubieras sido tu. No queda nada en mí salvo la certidumbre de tu bondad. No puedo seguir destrozando tu vida por más tiempo.

No creo que dos personas pudieran haber sido más felices de lo que nosotros hemos sido. (pronuncia esta última línea insegura)

Él: (con impaciencia) sé que quieres decir que no deseas volver a verme. (come y traga sin recelo)

Ella: hay un punto A (bebe agua) y un B (agua, gran bocado) y el C: lo que quiere decir que todo esto es mentira (recuerda a Descartes). Y que me enamoré sola (lapsus de auto-conciencia) Ha que boba! tu indiferencia carcome mi corazón como el cuervo que roe el hígado de Prometeo.

Él: (a medio plato para acabar) tu visita me hes tan inoportuna en este instante que no sé qué decir

Ella: (por un instante recuerda que siempre ha sido inoportuna y sonríe malvadamente) ¿Por qué no destruyes mi corazón de una vez y me dices que no me quieres y que me he enamorado absurdamente sola?

Él: le explica que el amor es como el gráfico de una parábola y crece, crece y luego "con un movimiento desacelerado" se va hasta que el amor es igual a la posición inicial de un cuerpo; es decir CERO.

Ella: (voltea su rostro y derrama una lágrima sin que él se de cuenta) soledad soledad soledad.

Él: eso es lo que yo no quiero más, "soledad" tengo derecho de tener una vida.

Ella: completa la frase: "sin mí"

Él: no hagamos un drama, y ahora me marcho porque tengo planes. Has llegado en mal momento

Ella: le dice gracias en árabe y sale apresuradamente con el corazón en la mano.
Luego se dice a sí misma: HA! destino cruel y horroroso, oh! dioses por qué me ponen en el camino a amantes infelices e inconstantes si tan sólo pudiera ser como la ninfa que espía a los mortales, pero no como la ninfa (eco) de Narciso, como la de este Narciso.
Recuerda amante sordo la pasión que sentiste alguna vez por esta desdichada que te ama en silencio. Te entregué mi corazón y ahora lo desprecias.
Ya no habrá más rita de junco y capulí ni ningún decapitado para susurrarte cuando me tomas entre tus brazos y yo lloro en silencio, eres tan inconstante que ni siquiera has sentido la humedad en tus aposentos.

Baja la luz y ella se queda sola en el centro de la escena.

Pass-Port, crónica de la imposibilidad

2010-09-26T21:09:00.008-05:00

Efectos de sonido, luces, infinidad de trajes y estrategias ingeniosas para contar una historia. Clown Wañka Wstañczyk – Danuta Maria Zarzyka contó de forma graciosa la dificultad que tienen algunos pasajeros para viajar, debido a las normas aeroportuarias.
Al inicio vemos a una persona corriente (excepto por una nariz roja de payaso) que espera pasar por la aduana su maleta.
Debe echar al basurero casi todo lo que lleva con ella, una botella de agua, un libro y hasta la ropa interior. Aún así no se le permite el paso. Conforme avanza la obra se quita una prenda, la luce para el público, cobra conciencia de ¿qué es lo que lleva puesto? y luego, nos muestra al personaje.

El uso de recursos para resolver la puesta en verdad son muy creativos, ya que conocemos a un doctor, a un mecánico que pierde sus llaves y que de su traje saca revistas, tuercas, y otros elementos más, pero pareciera que su ropa es un bolsillo sin fondo e incluso guarda una casa dentro. Por medio de la sátira de diferente profesiones o empleos, el clown daba a conocer al público que hiciera lo que hiciera sería muy difícil pasar el control de aduanas.
Al final incluso tuvo que sacarse un diente de oro, pues cualquier metal que llevara en su cuerpo y cualquier prenda debía ser descartada para poder finalmente viajar.

Ni siquiera la súper heroína pudo pasar el control y tuvo que quitarse su traje, quedarse en ropa interior para al fin lograr el paso. Cumple con su objetivo y al final de la obra descubrimos el motor, la temática principal. Se trataba de un migrante que debía dejar todo para trasladarse de país. El cómo dijo esto, es lo más interesante, ya que vemos al clown vestido con una maleta en su cuerpo y de ella sale un cordón que está amarrado a una niña, la madre corta el cordón, pasa la aduana y la pequeña se queda sola.

A pesar de las profesiones, los múltiples trabajos, los noviazgos fallidos, y hacer todo para mantener a la familia unida, muchos se ven obligados a cambiarse de país para conseguir mantener a la familia. Algunos incluso se deshacen de todo lo que le sea posible para lograrlo. Danuta Maria Zarzyka lo cuenta de forma jocosa, rompe la pared e interactúa con el público, lo mete en su show, pero muestra demasiado, es predecible lo que va a hacer. El hecho de que sea predecible no le quita la gracia, sí la sorpresa, pero todo lo que el clown plantea lo resuelve de forma ilógica y eso lo hace gracioso.
Aunque el público era difícil de hacer reír, Danuta encontró formas de comunicar la broma y volver lo más simple en gran una tragedia. Incluso hizo que uno de los asistentes le diera de palazos a su zapato y que otro sostenga la cola de su vestido de bodas.

"Quería construir un espacio propio un espacio de intensidad y libertad"

2010-09-20T20:51:00.014-05:00

"porque sigo aunque la realidad me sofoque"...
En el escenario circular, ella canta una canción nostálgica,

Yo no sé que tengo yo, corazón
que tengo el pecho maluco.
Ay, corazón, que tengo el pecho maluco,
allá viene un corazón,
corazón bello que tengo el pecho maluco,
allá viene un corazón.
(Allá viene un corazón, Inti Illimaini)

está sentada sobre un taburete de madera cubierto por una tela roja, se agacha para tomar una máscara, luego mueve su cuerpo como si acudiera a una danza a una danza primitiva en medio de la selva al rededor de una fogata. La máscara la posee, está a su servicio.

Roxana Pineda hizo una demostración de su trabajo para un auditorio con aproximadamente treinta personas, algo lamentable porque su puesta en escena estuvo cargada de PASIÓN.
La actriz habló sobre precisión como el norte de la escuela de Teatro de Santa Clara en Cuba, para explicar el concepto recreó los ejercicios que hacían los samurai con palos de madera para después tomar la espada. Cada movimiento tenía la energía esencial y el cambio de movimientos estaban marcados era como poner comas en una oración.

La actriz insiste en la precisión y su utilidad para improvisar (punto crítico en escena). Una improvisación no siempre sale bien si no se tiene claro puntos como: conflicto, circunstancias, quién es el personaje, su pasado, dónde está, por qué y para qué hace una actividad y una acción.
Roxana antes de demostrar su técnica comenta que le llevó muchos años y horas de trabajo ser precisa con el marcaje y combinarlo con el texto.

Primero realiza una serie de movimientos con un mantel de color rojo, sólo intervienen el cuerpo y la energía, luego hace lo mismo, pero esta vez acompañado de palabras. Para hacer el ejercicio más divertido inventó una historia que concordara con los movimientos. El cuento trataba sobre un cuervo que aprendía a volar y el viento golpeaba sus alas (agita el mantel fuertemente), el animal voló hasta lo alto de una montaña encontró pareja a quien le prometió cuidar (se envuelve) (...) la madre reza (usa la tela como velo) para que en la lejanía su hija esté bien.

En el teatro es importante dominar el equilibrio del cuerpo y a la vez dejar que la energía fluya, para ello se puede jugar con posiciones corporales como concentra el equilibrio en cierto punto o hacer la misma secuencia según un personaje (una niña, adolescente, anciano).

También hay ejercicios en los que se imita poses de estatuas que ayudan a tener conciencia de cada extensión del cuerpo.

El pensador Auguste Rodin

Para lograr imitar a esta estatua, la actriz trabajaba extensión por extensión, primero la posición base, luego los pies, piernas, cadera, torax, brazos, mano y cabeza, una vez hecha la mimesis, el cuerpo volvía a la posición base esta vez en orden invertido.
La creación de contextos, relaciones entre personajes, trabajo emocional, entrenamiento de la voz confluye el duro trabajo de una mujer que tomó la decisión de dedicar su vida al teatro.

Roxana también nos mostró pequeños fragmentos de sus obras como: la Ofelia de Hamlet, Antígona, lo impresionante fue verla entrar en el personaje o más bien invocar al personaje para que penetrara en ella y luego soltarlo inhalando y exhalando profundamente.

Médium Piel de violetas

Siempre se ha insistido en este blog que el teatro implica un estado de locura, el estado total de locura durante toda la demostración fue el trabajo con la máscara media.

Historias con máscaras

La actriz está a servicio de la máscara sin vergüenza que maldice y hace señales obscenas con las manos, pero también canta, grita y juega con tonos agudos y graves. El cuerpo tiene movimientos muy precisos, al final se logró la precisión anhelada por Roxana.

Llamando, el llamado trae a quien vienen y acude sin cita previa para qué sirve la utopía, para eso sirve para caminar.

hunde una pequeña vela de color rojo sobre un montón de arena y ahoga su llama con una copa de vino.

"Las tres hermanas" versión libre del texto de Antón Chéjov

2010-09-19T14:45:00.003-05:00

Jorge Mateus dirigió la obra de teatro: "Las Tres hermanas" de Chévoj con la interpretación de Rosa Isabel Bodero, Nataly Loza y Salomé Velasco.

Tres mujeres frustradas e inconformes por aceptar la condición de ser infelices y estar siempre inconformes con todo lo que sucede al rededor. A veces no hay más remedio que casarse para no quedarse solas, a los 23 años una muchacha se siente vieja y cree que su vida ha terminado. Las tres mujeres anhelan ir a Moscú, pero ese sueño jamás será cumplido, deprimidas, solas y resignadas a aceptar una realidad siniestra como destino definitivo.

En el escenario una pila de libros de todo tamaño, al fondo Masha lleva un vestido negro y abraza un libro, a la izquierda Olga, la hermana mayor, quien es profesora en un colegio y lo detesta, Irina, la pequeña baila alegremente con unas cintas de color blanco.
Textos largos, complejos y dichos de memoria, sin emoción ni sentimiento, a pesar de que las actividades de cada personaje eran claras, se ejecutaban de forma automática y cada frase que decían sonaban igual, es decir daba lo mismo decir amor que infierno sin que esto tuviera algún significado en especial.
El ritmo de la obra, al inicio fue lento y tedioso, pero luego subió de nivel y tan sólo un personaje se mostró en escena: la pequeña Irina quien después de tres años se convierte en una mujer amargada que debe casarse con un Barón para salir de su rutina solitaria.

Faltó intensidad en la proyección de la voz, no hubo la energía suficiente para expresar ira en algunos momentos que requería, no hubo comunicación entre los personajes. El montaje estuvo bien resuelto puesto que las actividades designadas a cada personaje fueron claras, pero en el caso de tener una situación tan densa como la historia de "las tres hermanas" se nota que no hubo un trabajo de personaje suficiente.
Cabe recalcar que Chéjov es un guionista que implica mucho trabajo emocional previo en este caso no se logró.

La iluminación y los vestuarios fueron bastante pertinentes, ya que la iluminación ayudó a recrear la atmósfera que los personajes no transmitieron ni la relación estrecha que debía haber entre ellos, porque pareció que no se creían que eran hermanas.

Marta Carrasco en "Aiguardent"

2010-09-17T07:10:00.007-05:00

El Fite Q-G siempre sorprende con las obras que escoje para presentar a su público concurrente.

Impacientes por acudir y adivinar quién es Marta Carrasco y sobretodo de qué se trata Aiguardent. Una obra de danza teatro expresiva y sobretodo con un ambiente que transmitía la angustia del ser.

La parte más difícil de la mayoría de las obras de teatro es resolver la primera escena porque de ella depende que el público se enganche y se meta en el cuento. En este caso, la escena introductoria de la obra fue impactante, el escenario estaba completamente oscuro y de repente una luz lateral y la luz de un tabaco se encienden al mismo tiempo, el humo se cola sobre la cabeza del personaje. Ella estaba sentada sobre una silla con un vestido largo, y en lugar de camianr con sus propios pies se arrastraba con la silla por el espacio, danzaba con ella y luego se acercaba a una mesa los tres danzaban lentamente, como si el tiempo estuviera suspendido. La silla y el personaje eran una solo, el uno no se separaba del otro, las patas eran las piernas, las ruedas de las patas, los piés, la mesa era su pareja.

Sobre la tabla había una botella de agua ardiente y un vaso, los objetos que introducen el conflicto
del personaje.
Durante la obra no hay textos, en realidad, es danza teatro, el cuerpo, según la fuerza que aplica con los movimientos del cuerpo, expresa cada estado de ánimo para el desarrollo del conflicto.
Al otro lado del escenario está un baúl, el de los recuerdos, ¿quién no tiene uno? Aunque sea una caja pequeña que contiene "tesoros" que acumulamos durante años.
Frente al baúl hay un espejo (que no podemos ver, pero la actriz lo sugiere), de él saca una peinilla, se peina desesperadamente, no le gusta lo que ve, la urgencia con la que realiza cada actividad es evidente.

Luego, saca una liga y un vestido morado, recuerda su niñez, juega a la rayuela, brinca, canta, luego vuelve a ser una mujer cuyo conflicto se centra en las ganas de beber un vaso de aguardiente. Mira hacia la mesa con rabia e impaciencia, no se decide si ir hacia ella y probar tan sólo un bocado y no más, al menos eso pensamos cuando ella mira con deseperación hacia ese lugar.
Cuando finalmente decide llenar el vaso, consume el líquido con desesperación, lo toma de un solo golpe. Va nuevamente hacia el baúl y saca un traje; al fondo del escenario hay un colchón con una sábana roja, se envuelve en ella y coquetea, pero nadie la desea.

David Burbano

Nuevamente danza se queda pegada al colchón, se suelta, las poses en las que se congelaba eran como cuadros o esculturas, totalmente bellas.

Al final no soporta más, y decide consumir todas las botellas que estaban cerca, se hecha sobre la cara toda el agua, su sed no tiene límite, cada vez es más y más intensa. Al final termina empapada, pero sobre su cabeza ha quedado una botella, la destapa y se baña en ella, el personaje queda empapado, pero finalmente pudo satisfacer su sed.

Ficha:

Creación
Marta Carrasco
Interpretación
Marta Carrasco/Noemí Padró
Dirección Teatral
Pep Bou y Ariel García Valdés
Vestuario
Isidre Prunés/Toni Langa
Epacio Escénico
Marta Carrasco

Cronograma FITE Q-G

2010-09-16T21:47:00.008-05:00

Haz doble click en la imagen para ver el cronograma

Entrevista a Arístides Vargas sobre la obra: "La razón blindada"

2010-09-13T16:56:00.007-05:00

Obra teatral basada en El Quijote de la Mancha de Cervantes

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"Para hablar de la vida es necesario, también, hablar sobre la muerte"

2010-09-12T17:13:00.010-05:00

El Lazarillo
“De cómo moría y resucitaba Lázaro el lazarillo (escrita por Arístides Vargas)
Dirigido por Rafael Giraldo (Paletas)

La obra de Teatro El Lazarillo de Arístides Vargas se construyó a partir de la novela española (anónima) : La vida de Lazarillo de Tormes y de sus fortunas y adversidades.

Cuando el actor entra a escena hay una especie de magia que cautiva en seguida al público o espectador dice:
-mmm... no me convence, pero si estoy aquí y quiero ver qué hace el actor
En este caso sucedió eso conmigo como espectador.

Este actor en realidad se esforzó para mostrar su trabajo y propuesta con estrategias novedosas que harían reír a los presentes, claro por el tono sarcástico que contiene la obra, pero no todos los días son buenos para los actores.
En esta ocasión en la sala sólo había ocho personas, un público difícil, ya que dos de ellos fueron a ver la obra para analizarla, puesto que uno era estudiante de teatro y el otro su acompañante (asunto del que me enteré al escuchar su conversación antes de entrar al teatro, admito que tengo la mala costumbre de siempre poner más atención a las conversaciones ajenas, en lugar de prestar toda mi atención a mi interlocutor directo); en fin, los otros tres espectadores eran unas muchachas de Argentina (lugar en donde el arte brilla con todo su resplandor) a quienes yo calificaría como público difícil.
No abandone la lectura aquí querido lector, puesto que es necesario que entienda las circunstancias en las que se dio la obra antes de contarle cómo fue. Cuando el actor lanza la primera broma, en este caso un chiste "colorado" el que supuestamente hará reír al público y no obtiene lo previsto, sólo pueden ocurrir dos cosas: o el actor mejora el ritmo de la obra o se debilita. En este caso el ritmo disminuyó conforme avanzaba la obra, se volvió tedioso, poco convincente y, aunque los objetos de escena se usaron de forma ingeniosa, el texto no tenía un sentido de verdad.

La historia del Lazarillo para quien no la conoce, se trata de la HISTORIA de un sujeto desdichado, un niño mendigo (lazarillo) contado por su presente: Lázaro.

El Lazarillo de Tormes de Goya

Desde este punto la obra es discutible puesto que cuando contamos anécdotas, sobretodo desdichadas, nuestro interlocutor nos cree en este caso quien contó la historia (actor) parecía que no contaba su historia ni la historia de alguien o al menos no estaba convencido de que sucedió, no hubo sentido de verdad.
Al inicio de la obra, con ayuda de un cajón para la percusión, el actor nos cuenta que hablará sobre la vida de Lázaro (no se puede hablar de la vida, sin hablar de la muerte, sería mejor contar la historia de la vida y luego vivirla, así uno sabría cuál es el final). El texto contiene crítica que tiene un aire filosófico, pero el cómo se dice cada parte es muy importante, el cómo lo dijo el actor no llegó al clímax que al que se presta la obra. Es una lástima porque el contenido es muy rico. Por ejemplo, habla sobre el abandono de una madre a su pequeño porque no puede mantenerlo, lo suelta en una caja para que navegue en un río de desdichas. El niño se vuelve mendigo a la final todos somos mendigos, incluso mendigos de afectos y sentimientos. Luego, el niño está en una Iglesia y es testigo de los actos corruptos del clérigo (hasta aquí, la obra de teatro se asemeja a la obra literaria).
Luego el muchacho conoce a un italiano quien le enseña a ganarse las monedas. En esta parte, es oportuno destacar la corporeidad del actor que siempre se mantuvo al interpretar a los personajes ya mencionados.
En algunos instantes, el actor fingía la voz del niño quien fue representado por una marioneta lo cual resultó ser un tanto molesto.
El punto fuerte de la obra fue el montaje, el manejo del espacio, el uso de los elementos fue bastante preciso, ya que conforme el actor contaba la vida del personaje dejaba rastros. En la primera parte cuenta la historia de la madre quien se marcha con un hombre, en ese espacio queda la foto del amante y una vela de color rojo (elemento simbólico). En la segunda escena deja una vela de color amarillo, la botella de licor del borracho que le enseñó a mendigar al niño, en cada escena quedaron en las cuatro esquinas del escenario los elementos utilizados para contar.

Finalmente, los aplausos, en esta ocasión no me dieron ganas de aplaudir porque la obra no pudo satisfacer mis expectativas, y no le creí al actor la historia que me contó. Probablemente no interiorizó al personaje o lo alejó.

Entrevista a Peky Andino

2010-09-10T20:05:00.004-05:00

Entrevista a Peky Andino sobre la obra de teatro "Kito con K"

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Estudio del libreto de Kito con K

2010-08-27T21:23:00.004-05:00

Kito con K, tragicomedia escrita y dirigida por Peky Andino Moscoso. La obra consiste en presentar un informe policial de forma “mórbida y cruel de un joven extremista programado por la madre patria para limpiar las calles de su Kito de todos los que ensucian su paisaje k.” La obra está construida a partir de un discurso alternativo, y recreada con objetos que transmiten la sensación de prisión del personaje. Kito con K cuenta con la banda “Sal y Mileto” que toca las melodías que ayudan a crear la atmósfera tensa, y en ocasiones romper la densidad de la narración.

El nombre de los personajes demuestra el discurso alternativo: la chapa, la mami, el discurso tradicional dice que a los policías no se les debe llamar “chapas”, ya que es una palabra ofensiva. Por otro lado, cuando escuchamos a “la mami” pensamos en un espacio lúdico, ya que normalmente, en los shows de entretenimiento el animador suele decir: “la mami” o se dice esta expresión para referirse con cariño, pero en este caso “la mami” es una ironía, una forma de tapar al monstruo, ya que la actriz dice “si mi ángel nació Kuervo yo nací chacal”

La mayor parte de la obra muestra una mirada diferente y cruda de un personaje perturbado, la novedad se concentra en que su perturbación se debe a la crianza de su madre, se podría pensar que este punto enfoca un discurso tradicional, ya que en el imaginario histórico siempre se ha creído que si un hijo se enferma, muere o tiene algún problema sicológico, es por causa de la madre. En este caso se afirma que es por culpa de la madre tanta perturbación, pero lo diferente se encuentra en que la madre le enseña el amor por la maldad, le enseña a ser “un desgraciado” como dice la canción kito con k de “Sal y Mileto”. Lo dicho se sustenta en la parte en que “la mami” dice: si una ha educado a un torturador, es para esconder el gozo propio de excitarse con el dolor ajeno, para que la sangre de los inocentes no nos embarre… Dicho esto se afirma de forma cruda que los padres usan a los hijos para aliviar sus propias frustraciones. La madre es un personaje importante, ya que cada frase que ella dice tiene contenidos muy duros y críticos a la sociedad, ya que son cosas que son visibles, pero nadie las nombra porque son un tabú. Por ejemplo, la madre dice: (…) mestizos y todo, este país está lleno de fascistas. (…) todo ecuatoriano promedio nace muerto, luego la madre se justifica y dice: (…) una madre no puede criar por sí sola a un asesino, necesita la colaboración de los maestros de escuela, de los vecinos, de los funcionario públicos, y de todo ese pasado cultural que nos obliga a ser reiteradamente tristes.

Esta última afirmación también forma parte de un discurso alternativo, ya que los ecuatorianos tenemos una especie de cruz histórica y cultural, pero la tradición nos obliga a pensar en que es importante odiar al enemigo común, al conquistador, a obedecer las normas de la herencia religiosa, en la cual, la culpa es parte de la conciencia, la educación judeo cristiana que dice que matar es malo, mientras “el hijo” dice: sólo la muerte nos purificará. El cristianismo dice que es necesario ser penitente para purificarse y que después de la muerte se nos juzgará por nuestros actos.

La madre del Kuervo se embarazó de un tipo casado, tema tabú, el discurso tradicional establece que se condena moralmente que una mujer esté con un tipo casado.

La escena 15 (el Kuervo y su Iglesia) muestra la sátira de los nuevos grupos y sus creencias cuyo objetivo primordial consiste en acumular capital a partir de la inocencia de los creyente, pero lo más curioso es que esta obra fue escrita hace 13 años; por lo cual resulta casi profético la realización de esta escena, cuyo discurso alternativo radica en el cómo se construye. El kuervo quien antes era el hijo, mata a sus fieles a sangre fría, las madres (nuevamente aparece esta figura como ente malvado) matan a sus hijos, algo inconcebible en el imaginario moral.

“La chapa” muestra la ineptitud de servicio policial en nuestro país y además la falta de renovación de equipo, pero también el desarrollo tecnológico, ya que hay una grabadora “soni doble casetera”, por otro lado, el personaje tiene una forma particular de hablar, cada frase tiene un error gramatical, cuando redacta su informe tiene faltas ortográficas, todo esto tiene la intención de causar gracia a partir de la burla por creer que “los policías son unos ignorantes”. El discurso tradicional que se infunde en los primeros años de vida de los infantes consiste en respetar a los responsables de la seguridad ciudadana y verlos como en pedestales intocables y superiores a los ciudadanos. La policía de la obra es incompetente y poco honesta, ya que al final rebusca en los bolsillos del “kuervo” y halla una carta muy cruda que anuncia su suicidio.

El suicidio es otro punto que forma parte del discurso alternativo, ya que es pecado para la iglesia católica y un tabú en la sociedad.

El hijo aparece con una canción que asusta a los mi generación por el referente que es Freddy Crouger. El hijo cuenta que tiene una pistola browning, en su cuarto hay balas, dedos, cabezas, fetos, espermas, cuchillos, pastillas. Una madre promedio se horrorizaría si la habitación de su hijo contuviera estos elementos, puesto que, son símbolos de aquellos que se esconde recelosamente de los padres.

El hijo demuestra debilidad y arrepentimiento, en ocasiones, somos testigos de su inocencia, la cual es corrompida por la madre. El hecho de imaginar que una madre rompa la inocencia de un niño, resultaría insólito en nuestro medio, ya que las madres creían a los hijos fuertes para que sostengan el hogar y a la familia. Esta madre cría un hijo fuerte, pero con otra perspectiva, el hijo tiene como misión limpiar a la patria de débiles, perdedores, miserables, asesinos profesionales, un país en donde Alicia finalmente fuese: decapitada.

En la octava escena (el kuervo sale de Carcelén) se presenta una serie de espacios y acciones que demuestran la discriminación racial “disimulada”, violencia e indiferencia cotidiana que pasa desapercibida. Los puntos a los que me refiero se sustentan en las siguientes frases: (…) nadie se fija en mi browning ni en mi cuchillo ni en mis ganas de matar (…) por cada dos que matas se reproducen cinco chifas, panaderías, mochilas, tu vida, de todo son dueños los chinos de mierda, ratas nomás eran, negros nomás era, basura racial! Arde judea, despierta germania. Todo lo que “el kuervo” dice es muy duro, ya que rompe con la idea tradicional de tolerancia, diversidad cultural, derecho a la vida es decir, viola algunos preceptos constitucionales, cristianos, y a la vez, morales y tradicionales propuestos por la sociedad.

El personaje del hijo, el kuervo, el inciso, quien muta durante la obra, manifiesta constantemente las ganas de matar a mamá, pues durante toda la obra repite que quiere “matar a mamá” que no le importa nada ni nadie, el conflicto es muy grande con su madre. El hecho de demostrar el odio y las ganas de asesinarla forman parte de un discurso alternativo, pues muchos quisieran matar a su madre, pero no lo dicen porque el acto tiene un castigo moral y penal.

Finalmente, la obra cuenta con un punto de vista diferente al que acostumbramos escuchar, dice aquello que es condenado o es un tabú, lo dice de forma satírica y, en ocasiones, muy cruda. El discurso tradicional para el mismo tema podría sustentarse en la existencia de una sociedad con derechos garantistas compuesta por ciudadanos con alto sentido de moral, pero mojigatos, y con la clara diferenciación entre lo que suponen que es correcto e incorrecto, bueno y malo, que se fundamenta en los principios católicos.

Los ademanes perfectos que se mantienen durante toda la escena

2010-08-22T10:44:00.004-05:00

Charles Chaplin en Tiempos modernos:

Los movimientos de cada extensión del cuerpo de Charles Chaplin es perfecta y sincrónica. Cada ademán que resulta hasta casi exagerado expresa el mensaje que quiere comunicar. En caso del primer vídeo los movimientos que reproducen al hombre que tiene que trabajar en una fábrica, su actividad es monótona y automática. En el receso el cuerpo del actor continúa con la serie (repetición de movimientos en el mismo orden y tiempo).
Lo más gracioso es que los movimientos son como un bals, las herramientas de trabajo se vuelven armas no para armar piezas sino para desarmar botones o cualquier objeto redondo.
La forma de caminar de Chaplin es muy peculiar, no he visto a ningún otro actor mantener su corporeidad todo el tiempo y sobretodo adoptar un estado de locura que es gracioso mas no trágico que es lo común.
La representación del ataque de nervios por exceso de trabajo está construida de forma que el trabajador se convierte en un niño travieso más no en un adulto loco. La serie que propone Chaplin esta vez está conformada por un baile de balet, en el cual una lata de aceite sirve para "hidratar" a sus compañeros de trabajo.
El clásico movimiento de Chaplin es el sombrero que parece caballeresco y reemplaza a las palabras: gracias, buen día, hasta pronto.
Su lenguaje corporal es bastante explícito, para expresar alegría, desconcierto, incluso se nota la dirección de actuación con sus coprotagonistas, ya que me atrevería a decir que Chaplin les dijo qué movimiento hacer para expresar un algo. Esto destaca la rigurosidad en su trabajo y producción.

En el caso del segundo vídeo, Chaplin demuestra sus habilidades como mimo, cada movimiento tiene gran cantidad de detalles y a pesar de que cante en un idioma diferente al español, gracias a su magnífica interpretación corporal su actuación resulta jocosa.

El actor está al servicio de la máscara mas no al cotrario

2010-08-12T22:52:00.010-05:00

Fotografía de Bernardo Arequipa

Guido Navarro, Director del Grupo "El Cronopio" enseñó el manejo de máscaras a un grupo de 32 jóvenes. Inició el curso con temas básicos en el mundo actoral: posición cero, neutra y base. Al inicio preguntó ¿quién no había hecho teatro antes? cuatro personas levantaron la mano. Para tener a 28 "actores" que ya sabían en qué consiste la posición cero, en realidad no lo lograron, mucho menos la base y la tensión en los músculos faciales se notaban claramente.

Posiciones:
posición neutra (llegó el actor) acomodar los músculos unos sobre otros logrando una verticalidad en la que el cuerpo esté relajado, siento que de la cabeza me halan hacia arriba y de los pies hacia abajo.
posición base (estoy listo para la acción) consiste en flexionar un poco las rodillas mientras el resto del cuerpo se mantiene en posición neutra

Con estos ejercicios el cuerpo está suelto y listo para responder. Este ejercicio consistió en el trabajo por bloques. Los grupos debían coordinar y hacer los mismos movimientos sin verse, pero estando conscientes de la presencia del otro. Este juego se basa en el coro griego en el cual las voces dicen lo que los actores no pueden.
Cada ejercicio fue novedoso y sirvió para nutrir el aprendizaje y además, pude entender mejor el trabajo del grupo "El Cronopio".

La novedad radica en que cada parte del cuerpo puede concentrar gran parte de energía y equilibrio y conduce al resto del cuerpo. Por ejemplo la cabeza puede llevar a todo el cuerpo a un lugar, la pelvis, el pecho, los hombros, etc.

Guido Navarro dice que la máscara viene de un territorio mágico y el espectador espera algo grandioso, espera juego.
El eje del gran nivel de juego tiene un alto grado de nivel de complejidad, ya que en caso de las máscaras neutras

esta no tiene boca, lo que quiere decir que tan sólo se puede jugar corporalmente y además, si trabajamos con otros personajes, el personaje sólo puede reaccionar ante una situación si las otras lo miran para que exista una sola acción en escena, si existen varias alguna obviamente se perderá.

Al usar la máscara es necesario mirar primero al público, reaccionar a lo ocurre al rededor y jugar con la posición corporal que se eligió.
También manifestó que es necesario acentuar la acción si se trata de una puesta en donde la corporeidad es lo más importante. Además, el actor tiene que ganarse el derecho a estar en el escenario y debe mostrar que toma decisiones.

Fotografías de Bernardo Arequipa

Esta última parte es muy importante tomar en cuenta, ya que en las obras del grupo Cronopio se nota que existe juego e improvisación y por ende decisión por parte de los personajes en escena. Esto ocurre el día de la puesta en escena con público.

II Encuentro Nacional de Teatro Callejero

2010-08-11T20:44:00.003-05:00

Chicho Vargas, Mario Duarte y Guillermo Troncoso tres sujetos al encontrarlos en la calle no imaginas que hacen teatro o viven de él. Cuando asistí a este encuentro esperaba ver a Arístides Vargas, el Director del Teatro Malayerba. Me crucé con estos tres personajes en la entrada del escenario, llamaron mi atención no por su edad sino por su energía. A los artistas les adorna ese "no se qué" que en cuanto los miras dices

-mmm... cuánto misterio-

pero en realidad no puedes tener certeza de si son artistas o son catedráticos. Sentada en la butaca muy atenta a: ¿dónde está Arístides que no lo veo? hasta que ¡pof! luz en el escenario y un sujeto con voz grave

- Bienvenidos al II Encuentro Nacional de Teatro Callejero" el miércoles 11 de Agosto en el Teatro Prometeo. Querido público Arístides Vargas no podrá acompañarnos por un imprevisto, PERO tenemos la presencia de su hermano: Chicho Vargas- fin

Primero, sé que estoy en el Teatro Prometeo y además no sólo está Chicho Vargas sino dos más a quienes no presenta y no se sabe sus nombres.
En escena, justo los tres sujetos con quienes me choqué torpemente (típico) en la entrada del escenario del Teatro Prometeo.
Para quienes nunca han ido deben saber que el escenario es circular (un eterno retorno) en el cual no hay a dónde correr cuando torpemente chocas con alguien, ya que sus entradas son estrechas.

Chicho Vargas

Chicho Vargas cuenta su experiencia de hacer "Teatro Popular" en el Barrio la Gloria en Mendoza (Argentina) donde "la realidad es diferente a Buenos Aires". En primer lugar es importante diferencia el espacio del teatro de calle y el teatro de sala. Un teatro de calle puede darse en un baño, casa, patio. Por ejemplo, cuenta Chicho Vargas, en la vieja estación de trenes se hace teatro y el espacio (las rieles, gradas, paredes) forman parte del montaje, del escenario.
El actor de la calle requiere romper la cuarta pared e interactuar con el público y sobretodo reaccionar ante los imprevistos que surgen, ya que el actor tiene vida no está inerte y mucho menos deja de estar atento a lo que sucede al rededor de él.
En el caso de hacer teatro comunitario cuyo fin consiste en recrear una historia cualquiera como: la historia del barrio que no se encuentra en un libro o en los diarios sino en la memoria de quienes habitan en el lugar. En este punto pueden surgir imprevistos como desacuerdos de los "ancianos" de cómo pasó tal o cual cosa, lo que puede ser aprovechado por el Director para desarrollar la obra y dar a conocer lo que desea.

Chicho Vargas comenta que es importante que el actor llame la atención para eso se usa la música o elementos que tengo para captar la atención de la gente. Una vez logrado esto se cuenta la historia que sé que interesa. Esta última parte es la más interesante, ya que quienes van a hacer la obra no son necesariamente actores sino son integrantes del barrio. El nieto va a contar la historia del abuelo y lo va a representar, el hermano mayor va a representar al padre, la tía a una anciana, el vecino al primer habitante,etc, la gente se conoce por el teatro.
El material para contar la historia pueden ser fotos, mesas antiguas cualquier material que sea útil en escena sino está de más su presencia.
Chicho está lleno de anécdotas que usa para ilustrar su presentación. Cuenta sobre las "Ollas populares" que en época de crisis cada habitante ponía comida en la olla y luego se hacía un guiso para alimentar a la gente. Por ejemplo este acontecimiento sirvió para hacer Teatro popular y fue la médula de la puesta en escena.

En repetidas ocasiones, cuando un mundial de fútbol o Reinado de Belleza, se lleva a cabo en un país éste esconde la pobreza, a los marginales, la suciedad, esto ocurrió en Argentina en el mundial del 78, los militares transportaron a la gente a otros lugares incluso colocaron murallas (cuenta Guillermo Troncoso) para ocultar la pobreza y así nace un barrio. Se recreó esta situación gracias a la memoria histórica de los habitantes y se puso en escena, además se apoyó con música cuyas letras tenían alto contenido que alimentaban a la historia.

La vida del teatro en la calle es diferente cada día porque si una vez tuviste un elemento imprevisto que usaste y quedó bien, al día siguiente es raro que vuelva a pasar ese elemento en la puesta.
Finalmente, Chicho contó una historia sobre la obra Manuela presentada en el teatro Sucre y la misma obra se presentó en la calle, funcionó en el teatro de escenario, pero no en la calle, porque el espectador en la calle es casual y necesita ser atrapado, además se le debe tomar en cuenta e incluirlo sino no se queda con nosotros.

Segundo Encuentro Nacional de teatro callejero

2010-08-11T13:52:00.002-05:00

calendario de eventos

"Un payaso será siempre un payaso"

2010-07-27T11:55:00.004-05:00

Arriba el escenario, abajo el público, más arriba las luces, parlantes, música de fondo y como siempre el presentador: Damas, caballeros, niños, niñas, jóvenes y no tan jóvenes, bienvenidos al "Cactus Azul". Tataratatatan.... dos personas vestidas de forma diferente, justificación: claro es teatro, caminan de forma ilógica, muestran el peso de las maletas que cargan casi de forma exagerada: justificación: claro es teatro. Esto diría un adulto, pero el público infantil se maravilla y en cuanto ve al ilógico personaje moverse dice: oh! es un payaso.
El personaje con la máscara más pequeña del mundo: su nariz de color rojo, mutación del sujeto convencional y muestra la parte ilógica que a veces solemos tener.
La obra Barávibus dirigida por los Clowndestinos, con la actuación de Antonio Harris y Paulina Sánchez: Anónimo y Amnesia quienes emprenden un viaje en busca de no se sabe bien qué, con ayuda de un mapa que se destroza por la emoción de Amnesia mientras anónimo compone una melodía "inédita".
En repetidas ocasiones tenemos que llegar a un lugar que no sabemos exactamente dónde está y "nuestro querido mapa" guía nuestro camino. Paramos por un momento para ubicarnos y totalmente desorientados señalamos hacia todas direcciones creyendo que es la correcta, pues bien según esta situación cotidiana Anónimo y Amnesia buscan (no se sabe bien qué) y viajan hasta llegar a (no se sabe bien dónde).
Fantasías hechas realidad como en los dibujos animados, nos muestran estos personajes cuya forma de caminar es jocosa y su "modus operandi" como el de un niño en el mundo de las fantasías. Viajan a través de aviones que se estrellan y para salvarse inflan globos que los elevan hasta que ¡paf! aterrizan y están a salvo en tierra "firme".
La interacción con el público infantil es genial, puesto que interrumpen su viaje, las luces que iluminan al público se encienden y el clown Amnesia (claro quien no puede recordar dónde está ni por qué hace tal cosa) dice: oh!!!!! público!!!!! y tatarantatán: se colocan sus chaquetas negras (para verse más serios) y se presenta al mago primerizo a quien no le salen bien los trucos y en cuanto logra hacer uno, se emociona profundamente.
Además el mago nos muestra la fantasía sin necesidad de objetos reales. Por ejemplo usa el efecto del sonido que se produce al tingar el dedo gordo con un funda de papel para mostrar el aterrizaje de una bola dentro de la bolsa.
Después de juguetear con los espectadores, viajar llegan a -no se sabe bien a dónde- Anónimo y Amnesia se dan un tierno abrazo.
Fin.

¿El actor nace o se forma?

2010-07-09T23:03:00.002-05:00

Christoph Bauman dirigió un taller para directores y actores de cine con el fin de que los directores comprendieran y aprendieran a comunicarse con sus actores y que los actores aprendieran a entender a los directores.
Durante una semana tuve el agrado de compartir espacios con estos dos bandos. Al inicio me sentí como en el primer día de escuela, ya que me di cuenta de que no tenía idea de qué se trataba la actuación en el cine. Debido a que estamos acostumbrados a ver películas antiguas o contemporáneas nos olvidamos de ver cada detalle, preguntarnos cómo el actor logra ciertas emociones. A veces dejamos de notar que cierto personaje tiene un tic que simboliza un algo o es una clave para entender su comportamiento o imaginar una historia que no se ha dicho en el filme.

En el cine es tan necesario recrear emociones, esto es algo que los directores deben tomar en cuenta, pues si no le dan a sus actores una atmósfera, un "antes" de filmar la escena tengan por seguro que el actor no podrá despertar instantáneamente en él emociones a menos que en verdad las sienta. Insisto en que la actuación en realidad es un mundo paralelo en el cual, el personaje es un ser vivo con una vida, una situación, conflictos internos (que por supuesto se desarrollan en escena).
Durante el taller tuve la oportunidad de ver cómo los directores aplican técnicas para dirigir la actuación y lograr que los sujetos se conviertan en personajes y haya un conflicto convincente que pase del guión a la acción y actuación. Entre diferentes técnicas, confusión, críticas constructivas y destructivas, ambiente ( tenso en ocasiones) aprendimos que el actor puede ser formado, pero procurar no tener un actor contaminado que sólo tenga una escuela y no pueda ser "maleable".

Tips para actores:

Como dice Christoph Bauman el mágico si ayuda a que los personajes florezcan. ¿De qué se trata el mágico si? Pues consiste en anteponer el condicional si a la situación propuesta, por ejemplo: si yo estuviera realmente en tal situación haría o reaccionaría de tal forma. Hacer este ejercicio permite interpretar la escena de forma más cercana.
Un ejercicio excelente que nos enseñó Christoph es bajar el volumen de la película y sólo fijarse en los gestos y acciones de los personajes para así analizar su comportamiento corporal y cómo reaccionan ante su interlocutor, según lo que dice y hace. Aprendí que algunos actores usan todo el cuerpo para expresarse y lo manejan de tal forma que se vuelve hasta poético, tal es el caso de la película "Rebeldes sin causa".
En conclusión es necesario que el director le de precedentes del personaje que ha creado para que el actor pueda interpretarlo, darle vida y además sea convincente de lo contrario ni director ni espectadores sentirán satisfacción al ver la película entonces el por qué de su realización será completamente vacío.

Meester snyt die Keye ras, myne name is lubbert

2010-07-03T22:57:00.003-05:00

A propósito de la necesidad de dosis de locura que requerie el actor, "El Bosco" imprime la locura en su pintura.

"La piedra de la locura"

Los médicos babilonios recomendaban que se llevara a la hoguera o se enterraran vivos a los locos, los árabes creían que los enfermos mentales eran "Santos de Dios" por tanto debían ser venerados, pero si la locura se tornaba violenta significaba que el sujeto fue poseídos por un demonio, por lo cual debía ser exorcisado o encerrados en cárceles.
Durante el Medioevo se buscó curar la locura como el resto de enfermedades y los eruditos determinaron que la enfermedad se originaba en el cerebro; entonces el "loco" tenía una protuberancia en la frente y debía ser extraída. Al llevar a cabo este proceso se extraía la "piedra de la estupidez".
El pintor "El Bosco" satirizó esta práctica y en lugar de poner una masa sobre la frente del paciente colocó un tulipán, lo cual simbolizaría la estafa del falso médico que lleva un embudo sobre la cabeza. Alrededor de la pintura dice: Meester snyt die Keye ras, myne name is lubbert que significa: maestro quítame esta piedra, me llamo Lubbert.
El nombre Lubbert, en la literatura holandesa, se usa para designar a las personas que demuestran un grado de estupidez alto, en otras traducciones se dice que Lubbert significa tejón castrado (expresión para referirse a hombres sencillos).

En el teatro la locura y la piedra de la estupidez son esenciales para salir de los esquemas tradicionales romper con la idea del orden común, jugar a ser niños de nuevo, experimentar lo que nuestro cuerpo puede expresar e incluso explorar sonidos guturales que podrían acompañar una forma de trasladarse en un espacio y sobretodo perder la vergüenza.
La piedra de la estupidez está en el ser, en la acumulación de recuerdos y experiencias e intentar construir un personaje a partir de realidades, se asemeja al concepto de "verosimilitud", pero el teatro no tiene porqué ser verosímil, más bien es una realidad que se vive en escena, sin diálogos memorizados ni bromas pre-meditadas. Las palabras, sentimientos, expresiones nacen al momento de desarrollar la obra y los personajes son personas quienes eran los actores desaparece y una nueva carne nace para mostrarse ante la gente.

Alegoría trágica

2010-07-01T21:26:00.009-05:00

Alegoría? mmm... alegoría?

OYE?
Qué?
Tienes un diccionario
Sí
Alegoría: representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras.
mmm...
Tienes internet?
Sí
Alegoría, del griego allegorein «hablar figuradamente», es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea abstracta valiéndose de formas humanas, animales o de objetos cotidianos.

Ahora sí, Alegoría trágica:
Niños, hombres y mujeres histéricos, violencia física, frustraciones, el mundo al revés. El discurso normal de todos los tiempos ha sido: busquemos la paz o que la paz sea con ustedes, en este caso la paz era la base del conflicto entre los personajes.
La obra consistió en un conjunto de actos con composiciones perfectas que en algunos momentos parecían pinturas perfectamente simétricas, es decir el manejo del espacio estaba equilibrado y concentrado en el centro o cada personaje se ubicaba al extremo del escenario para establecer una horizontal perfecta o todos los personajes ocupaban todo el escenario. Esta distribución permitió que los actores se movieran líbremente, pero en su propio eje de lo contrario debido al desgastante trabajo corporal que exigía sus personajes la imagen se habría sobresaturado.
En cada "acto" el uso de los instrumentos jugaba un papel importante por ejemplo, un muñeco de trapo que representaba la fragilidad del niño, un paraaguas sobre la cabeza para evitar pensar, una manzana (símbolo de discordia).

El vestuario es bastante llamativo, en cada escena usan ropa diferente y el juego con los elementos continúa. Aquí sí se toma en cuenta el hecho de encarnarse en el personaje a penas cambia su vestimenta, su trabajo corporal se modifica, el personaje camina de cierta forma y su voz es diferente a la que escuchamos en escenas anteriores.

En una escena vemos a cinco sirvientes y un anciano que no sabe qué ordenar a sus sirvientes y ellos le dicen qué ordenar. Los sirvientes son un sólo coro que escoge qué devería ordenar el anciano, aunque él no lo desee, pero todas las órdenes que nos parezca cotidianas y normales terminan en un desastre. Por ejemplo, el anciano ordena comida y los sirvientes le dan comida podrida, el anciano ordena que bailen para divertirlo, pero no lo divierte, al final los sirvientes terminan "obligándole a dormir". De una u otra forma en cada escena vemos tragedia continua y escuchamos frases como: todas las ideas son malas o el comentario más inteligente (para uno de los actores) cinco por ocho, cuarenta.
El pesimismo, desacuerdo, furia e inocencia, la indecisión y descontento humano se manifiesta por medio de diferentes escenas, que al final concluyen con una canción acompañada de instrumentos y gestos graciosos de los actores.

Ciudad de zombies

2010-06-25T21:19:00.009-05:00

INICIO
cotidianidad
ausencia
gritos
PIP!!!! (PITO)
como fieras furiosas
murallas
límites físicos
Correa
"tengo miedo"
¿a qué hora?

Son las palabras que escucho a diario, pero qué tal si ponemos la vida en mute e inventamos por un minuto que no hay sonidos y sólo podemos ver, sentir, tocar y oler. Hay escenas en realidad muy graciosas, por ejemplo, cuando la gente se reclama, se grita, está desesperada, agitan las manos, las elevan hasta la altura del tórax, su cabeza se mueve. ¿Has intentado ponerle pause a las imágenes que miras? Hay lugares geniales en donde podemos ver imágenes que están en off. Por ejemplo en el autobús, la gente no se mira y si lo hace es para poner un rostro de desprecio o sonrisas fingidas o el típico hombre de edad avanzada que coquetea con las jóvenes e incluso las saluda, pero no les cede el asiento.

¿Has visto los rostros de las personas cuando van al cine y miran la película? es como que perdieran el control de su cuerpo, ya que su boca se abre y me pregunto a qué rato les chorrea la baba? hasta que alguien nota que lo miro y debo girar la cabeza inmediatamente. Confieso que cuando las películas "aflojan" la cuerda de la tensión narrativa para que el público descanse y digiera lo que ha visto, me aburro.
Si pudiera hablar con el director diría lo siguiente: SR. Director me dirijo a UD. con el fin de pedirle que en lugar de aflojar el hilo narrativo cause tensión en el público, pero advierta que su película no es apta para cardiacos. Haría esto seguramente agitando alboradamente las manos y al decir la palabra: cardiacos, colocaría ambas manos sobre mi pecho. Pero tan sólo para llegar al cine debo intentar cruzar la calle, es difícil, pues las fieras llamadas "vehículos automotrices" conducidos por bárbaros.

Es gracioso ver a las gentes conduciendo, ya que los automóviles se convirtieron en una especie de extensiones de sus cuerpos, en las plantas de los pies tienen palancas y con ellas pareciera que están en un video juego, aceleran o a veces se colocan su extensión llamado volante en donde está el pito como para advertir al peatón que "su intención no es hacerle papilla" y por esa razón debe apresurar su paso.
A-PRE-SU-RAR siempre estamos sujetos al tiempo. Cuando estudias Física te das cuenta que el tiempo es un factor problema, en la vida práctica también es un factor conflictivo. Siempre estamos haciendo planes como si el mundo se acabara o muriéramos en los próximos cinco minutos después de leer un blog sobre teatro.
El punto de esto es que sería más interesante usar el proceso de mute, pause, off suspender el tiempo, a veces tenemos pausas mentales, pensamos en nada, y luego nos despertamos medio desorientados para subir el volumen, poner play y aplastar ON

FIN

Contrarios: La televisión reproduce el entorno y las personas imitan lo que ven

2010-06-06T18:28:00.001-05:00

Según Martín Barbero, existe una relación entre la televisión, la cultura y educación, Sartori dice que la televisión es la primera escuela del niño y se ha convertido en la niñera del hogar. En nuestro país, la población de todas las clases sociales posee una televisión en el hogar, lo que quiere decir que es el medio más común (como la radio). La importancia de este medio radica en que por medio de la imagen, la gente absorbe e interioriza el mensaje. Eva Aladro Vico afirma que las personas digieren el mensaje cuando lo escuchan en un momento de descanso.

En la obra de teatro Contrariados, la cual trata sobre un grupo de niños de diferentes grupos económicos. En la primera escena los personajes salen como niños y juegan alrededor, uno viste elegantemente y lleva un maletín, otro viste como campesino, una muchacha lleva su ropa rasgada, su rostro está lleno de hollín y sus cabellos enredados, una muchacha se viste como reina de belleza y otra lleva un pañuelo sobre su cabeza y ropa deportiva. Mientras los niños danzan con música de fondo del programa de televisión Barney y sus amigos, otro sujeto entra violentamente en la escena con un coche de supermercado, en cuyo interior, hay una televisión con programación de todo tipo: violenta, catástrofes naturales, personajes de farándula, etc. El sujeto invade el espacio de los niños quienes poco a poco son perseguidos y consumidos por la Televisión.

Los niños que al inicio bailaban entre ellos, se dividen, crecen y se transforman en máquinas automáticas que han sido criadas para producir capital. El rostro de los niños se deforma y luego se vuelve rígido para trabajar frente a un computador, beber café, comer frente a la pantalla y después pelearse para ver su programa.

Al final de la obra, los personajes que dejan de ser personas para ser máquinas automáticas quienes al final vuelven a ser niños con paletas de dulce quienes caminan detrás de la televisión, obedecen y actúan según lo que dice o insinúa.

La idea en la obra consistió en plasmar la influencia de la televisión en los individuos quienes finalmente se convertirán en masa. Durante la obra los niños ven programas de todo tipo y noticieros. Si los padres no controlan la programación que ven sus hijos, ciertos comportamientos serán adoptados, interiorizados y reproducidos por los infantes.La interpretación de la realidad es también una reproducción de la realidad, de aquellos hechos que pueden ser imitados o producidos por primera vez por un individuo.

El homo sapiens se enriquece o se modifica, el homo de hoy se empobrece cognitivamente y no entiende conceptos a este nuevo homo se le conoce como el hombre-video.

Si el conocimiento se empobrece también se empobrece la capacidad de entender lo que muestra la televisión, la capacidad de asimilarla, por lo tanto creer que los programas educativos podrían tener éxito resultaría iluso, puesto que la función de la televisión en este plano sólo es entretener y ayudar a que el homo descanse de su ajetreada jornada automática.

El diablo anda suelto

2010-05-19T17:40:00.006-05:00

En los miércoles alternativos del "Patio de Comedias" como su nombre lo indica se muestran obras diferentes a las que acostumbramos ver, en esta ocasión le tocó al grupo del Cronopio presentar su obra "El diablo anda suelto" (juegos de locura y muerte).
La obra dirigida por Guido Navarro contiene texto de la Biblia, Michelle de Ghelderode, A. Jodorowski, fábulas y canciones populares. Según se describe en la invitación.

Cuando asistí a la obra lo hice con muchas ansias de ver algo diferente, ya que el Cronopio consiste en teatro clown y de bufón, nunca había visto bufones mas que en películas.
En el primer cuadro, luz de color azul y amarilla bajita, sonidos guturales, movimientos como de animales, luego se encienden luces y los actores dicen textos que parecieran no tener sentido, pero en realidad tienen una gran carga filosófica.
El problema no era el texto ni el trabajo gestual (el cual fue magnífico, el rostro tenía expresión, el cuerpo tenía vida propia) el problema fue el ritmo y el montaje. Me explico: en algunos momentos parecía que los actores estuvieran improvisando movimientos, que estuvieran descubriendo al personaje en escena, pero en basa a intentos fallidos o sentimientos encontrados. En algún momento se volvió aburrido y destruyó mis expectativas, ya que esperaba ver más magia, pues la obra tenía magia debido al vestuario de los actores, a su maquillaje.
El hilo conductor de la obra era claro, consistía en un viaje, en muertes sucesivas y resurrecciones para descubrir un nuevo mundo. Además la obra estaba construida a partir de canciones infantiles, debo decir que en momentos las canciones y los juegos se volvieron tediosos.
No sé si es por el hecho de hacer teatro, pero noté que uno de los actores se descubrió en su personaje casi al final de la obra, pues mantuvo la gestulidad y la corporeidad hasta el final del acto, cosa que debió ocurrir antes del estreno. La obra podría tener mucho potencial, pero necesita más tiempo de vida y no sólo un "miércoles alternativo, única presentación"

La "Embajada Teatral Brasileña" propone algo nuevo

2010-04-11T14:11:00.008-05:00

Finalizada la primera obra "tres cigarros", hay una pequeña intervención del otro sujeto que estaba sentado una butaca detrás de mí, por lo visto era uno de los organizadores, quien dijo: "estoy obligado a advertir que la siguiente puesta contiene contenidos que podrían ofender a los asistentes, puesto que hay desnudos y contenido un poco fuerte", luego preparan el escenario para la próxima obra, las cadenas que colgaban sobre el techo se entrelazan, una alfombra de color rojo se ubica en medio del escenario, una mesa y una silla componen la escenografía.

Entra el actor en medio del bullicio del público, se para en el centro del escenario y dice: cada vez que yo beso, quiero descubrir la sensación exacta del primer beso. No del mió, sino el primer beso de todos los tiempos.

El texto, durante la mayor parte de la obra, tiene matices poéticos y de forma sutil cuenta la historia de un hombre que se relaciona sexualmente con un joven. El texto está acompañado por acciones que llamaron la atención del público, pues el actor, el joven que vende su cuerpo, se baja su interior y el otro, el "consumidor" introduce su dedo entre las nalgas de su compañero mientras cuenta que lo desea.
Luego coloca se coloca un guante para frotar las nalgas de su "pareja" con espuma, él se lo quita, se saca toda su ropa, se coloca sobre una silla adoptando la posición de una mujer cuando va a concebir un hijo, y finalmente el "consumidor" le saca el corazón al joven, lo mete en su bolsa y se marcha.
El ritmo de la obra es bastante rápido y fluido, el público se sorprendió y en la sala no se escuchaba ningún murmullo, es como si las escenas les hubieran dejado atónitos, lo cual refleja que en nuestra ciudad, o al menos quienes asistieron, aún tienen el hecho de descubrir el cuerpo humano, el despojarle de sus ropas.
La relación entre ambos actores es bastante buena, lo cual sorprende por la dificultad debido al contenido de la obra, esto demuestra su gran trayectoria y la pasión por el teatro.

La "Embajada Teatral de Brasil" con sus actores "promiscuos"

2010-04-11T11:34:00.017-05:00

-La expresión "promiscuo" se usa debido a que sus actores se dedican a incursionar en diferentes espacios, ya sea en las tablas o en la televisión-
El espacio con abundante humo, una brisa de viento que venía del escenario, dos sujetos sentados detrás de mí, el llevaba un pañuelo de color verde sobre su cabeza, ropa cómoda y un poco maltratada, cantaba en portugués melodiosamente, yo me preguntaba ¿será que alguien para matar el tiempo canta en su butaca hasta que empiece la obra? Me alegré, pues pensé en que cada sujeto es libre de hacer lo que desee en donde desee sin importarle lo que digan los demás. A su lado había un tipo de corbata bien vestido y olía a "limpio" que de vez en cuando interrumpía su canto para lanzarle algún comentario que no alcanzaba a entender por los límites del idioma.

Después de la tercera campanada, que significa el llamado para dar comienzo a la obra teatral, el sujeto quien cantaba detrás mío se levanta de su butaca, se dirige al escenario y un sonido estruendoso de un flash fotográfico irrumpe la continuación normal del desarrollo común de asistir a mirar una obra de teatro; como un unísono se escuchó el quejido de los presentes quienes nos asustamos por el efecto sonoro junto con el de la luz.

Cadenas con garfios caían desde el techo hasta unos metros sobre el escenario, el monólogo desarrollado por Renato Borghi sobre un sujeto cuyo placer más grande consistía en fumar tres cigarros durante sus comidas, acompañados por la desesperación de esperar que el mesero sirva y retire los platos para luego pedir un espumeante café. Entre el contar de la historia había comentarios que se consideran cotidianos, pero que nadie los dice, sólo los piensan como ¡cúan molesto! es tener que comer rápido e inmediatamente levantarte de tu mesa porque hay un montón de gentes que desean ocuparla, por lo cual el personaje explica que prefería asistir después de la hora "pico" del almuerzo. Cierto día, jueves (quinta feira), "día en el que sirven lasaña en el restaurante" lasaña de la buena no la que tiene maicena ni otra cosa para abaratar costos -decía el texto del monólogo- el individuo se desconcentró y sufrió un accidente en su mano, la cual luego fue reemplazada por la mano de un muerto, quien portaba una tarjeta para donar TODOS SUS ÓRGANOS.

El conflicto consiste en asimilar la nueva mano y acostumbrarse a ella, la cual es maltratada por el nuevo portador y al final decide cortarla, (escena final, fuera luces).
La obra "3 cigarros" agradó al público y soltó risas, debido a las bromas jocosas que a pesar del idioma (y aunque había una pantalla con traducción) gracias al tono manejado por el actor y su expresión corporal, pudieron entenderse perfectamente.

Cabaret teatral, una nueva forma de hacer teatro

2010-03-21T22:39:00.006-05:00

Un escenario con objetos que podríamos llamar desperdicios, restos, basura, una mujer "en sí mismada, pero bien", canciones de amor, ironías, decepción, los restos de... sonidos perfectamente combinados, danza y canto, con la fusión de todo estos elementos podría pensarse que se trata de un musical, pero en realidad es un "cabaret teatral" protagonizado por Elena Vargas.
Al inicio, el movimiento extraño de un cuerpo dentro de una bolsa de plástico y la voz de una mujer, quien sale de la bolsa como si fuera una mariposa que sale de su envoltura. La obra tiene rupturas con canciones que vienen después de oraciones como: ¿algunas vez has cantado de alegría? la mujer grita y empieza a cantar y bailar danza con movimientos perfectamente dibujados.
Su vestuario extravagante que está compuesto de cintas de cassette, luego usa un vestido de botellas de plástico y al final se vuelve a guardar en su funda plástica.
El juego con los objetos es interesante, ya que hay fotografías que representan recuerdos, cubetas de huevo que sirven de soporte para construir una pirámide de cuatro pisos por la cual bajan y suben dos muñecos un hombre y una mujer. Un paraguas sin tela, sólo de alambre, una botella de la cual salen un conjunto de objetos amarrados que sirven para acompañar la narración de una historia de amor que no funcionó, la historia que probablemente fue la suya.
El personaje, cuyo nombre desconocemos, baila, corretea y se pasea por todo el escenario para contarnos las historias sobre el lugar en donde vive, en donde se comunican por medio de las tuberías ruidosas del lugar.
El cabaret teatral juega con momentos de locura y cordura, claramente diferenciados por los tonos altos y bajos de la voz del personaje, un punto fuerte en la actuación, ya que las intenciones están marcadas por estos juegos con la voz.
Al final de la maravillosa presentación, se da paso a un conversatorio con la actriz, el director Gerson Guerra, coreografía de Carolina Váscones, escenografía y vestuario Enrique Váscones quienes dijeron que el cabaret es el producto de un largo trabajo que nació entre conversaciones y jugar con el que pasaría si hacemos ...
El cabaret teatral es parte del "7° encuentro de mujeres en escena" que se llevará a cabo hasta el 28 de marzo en Quito, Ibarra, Ambato y Otavalo

Las Brujas de Salem llegan a UIO

2010-03-21T12:07:00.007-05:00

En el Centro Comercial Iñaquito (CCI) se presentó la obra de Teatro "Las Brujas de Salem". Lo que al inicio parecía ser un juego de unas muchachas que pretendían comunicarse con los espíritus, luego se transformó en una masacre de mujeres a quienes se les creía brujas.
Por envidia, temor, histeria colectiva o venganza, las mujeres se acusaban unas a otras de ser servidoras del demonio.
Con esta trama el grupo de teatro nos presenta un montaje magistral. Uno de los elementos que sorprende en la obra es la escenografía cuya estructura de madera contribuye a trabajar con diferentes niveles e incluso escenarios en donde se dan las escenas. Parece que manejaran tres planos, un piso alto en donde se encuentra una muchacha enferma quien fue al bosque con sus amigas para hacer rituales extravagantes, un primer piso en donde se encuentra el protagonista y antagonista, y un subsuelo en donde está la cárcel de las brujas y herejes.

La magistral dramaturgia de Arthur Miller, el nivel actoral, la atmósfera densa, la combinación de luces, los elementos de utilería dieron a luz a una obra que el público adoró, pues debo destacar el nivel actoral, cada personaje se dio a conocer, sus emociones, preocupaciones, objetivos y sobretodo sus pasiones.
La pasión por permitir que el personaje se introduzca en sus pieles y se manifieste a tal punto que se logra, lo que considero más difícil, llorar de verdad por la realidad que vive ese personaje, ya que llorar por llorar no convence al público, pero cuando la tristeza invade al actor personaje.
Es interesante analizar el contexto de la historia, ya que en aquella época hay una ferviente creencia y un representante de la iglesia que se aprovecha de la fe de la gente para acumular bienes, hay un juez prepotente, mujeres inocentes y mujeres humildes.
En estos últimos personajes me quiero concentrar, ya que estas dos mujeres marcan una ruptura en la narración, son dos pordioseras que le cantan al demonio y se declaran sus sirvientas. Sus voces melodiosas, el juego con un chal de tela, el trabajo corporal supera las espectativas, pues los personajes están construidos y transmiten la densidad del asunto y la época.
La obra ha tenido mucho éxito y los espectadores expresan su satisfacción, pues al final un numeroso grupo se puso de pié para aplaudir, y por lo que he visto, es extraño que eso suceda, excepto cuando el público no es tímido o la obra es muy cautivadora.

Christoph Baumann es el Hamlet del siglo XXI

2010-02-06T13:17:00.013-05:00

Misterio, nerviosismo, el roce del florete con la madera, el actor se despega del personaje o el más bien el personaje se apoderó de él, lo suelta por un momento para que actor diga: "Be or not to be" "ser o no ser" ¿alguien sabe lo que sigue? Sólo quedan dos luces encendidas, el personaje se mete nuevamente en la piel del actor, empieza la obra.

(fotografía de facebook de Christoph Baumann)

Christoph Baumann presentó "Hamlet" de Shakespeare, pero sería una locura pensar que un solo actor puede interpretar a todos los personajes y desarrollar toda la obra, pues necesitaríamos estar sentados en nuestra butacas durante cuatro horas, por esta razón, el actor dijo que lo suyo era una adaptación.
Imaginen ver la obra "Hamlet" desarrollada por un solo personaje, suena complejo e incluso monótono, pero Baumann utilizó una muy buena táctica que fue darle un lenguaje corporal a cada personaje. Cuando representa a Polonio de la postura cero pasa a tener una especie de joroba e inclinación parabólica de la médula espinal, luego se puse recto, juntó sus manos a la altura del pecho y en ocasiones adoptaba una postura de las tumbas egipcias, es decir cruzaba los brazos para representar al tío de Hamlet.
Además del juego corporal, también fue impresionante el trabajo de gestualidad facial, ya que cada personaje tenía un algo, ya sea horror, decepción o un cierto estado de locura.

(fotografía de facebook de Christoph Baumann)

El manejo de las luces fue magistral, ya que a la mayoría de obras de teatro que he asistido nunca me había topado con una relación tan estrecha de la iluminación y la atmósfera que se desea crear, ya que cuando el personaje se refería a su soledad, una luz al extremo del teatro se encendió, y el actor corría hacia allá. En ocasiones la iluminación provocaba una suerte de vértigo en el público, incluso parecía que quienes en realidad debían sentir soledad eran los espectatores mas no el personaje.
Se nota que el montaje de la obra fue realizado rigurosamente y que probablemente hubo muchas horas de ensayo. No puedo dejar de decir que fue sorprendente la cercanía del actor con cada personaje que interpretó, sea por suerte o por método, ellos se apoderaban del individuo y luego lo soltaban para que Baumann pudiera narrar o reflixionar en cierto punto sobre la obra para después continuar introduciéndose en la piel de cada ser vivo de la obra inmortal de Shakespeare.

Ce n'est pas théâtre

2010-01-30T08:59:00.004-05:00

He visto todo tipo de teatros, situaciones que podrían convertirse en una obra magistral, pero nunca antes había visto que destinaran un espacio para el soliloquio de un tipo que resalta las ironías de la cotidianiadad y le pone como título: "La naturaleza humana".
La idea central, de la supuesta "obra de teatro" consiste en demostrar lo siguiente: si la mantis religiosa decapita al macho cuando copulan, pero sugiero revisar la información, ya que he investigado y descubrí que la mantis se come a su compañero "durante o después del apareamiento empezando por la cabeza, aunque este comportamiento está bastante mitificado, ya que, si bien se da con frecuencia en cautiverio, es raro en libertad". Según "El Ave" la naturaleza no es tan sabia como todos lo creen.
Admito que durante el show reí, pero no sé si era porque en realidad su sarcasmo era gracioso o reía porque el público presente me contagiaba o reía para no levantarme del asiento y salir mal humorada. Creo que la segunda opción no era factible, puesto que se notaba que sí hubo un trabajo riguroso para montar el show.
Por otro lado debo resaltar los chistes de "Naturaleza humana" que tenían que ver con lo incómodo que es ir en bus, la economía del lenguaje en mensajes de celular, el primer día de escuela, el primer día de trabajo.
Lamentablemente el "Patio de Comedias" abrió sus puertas para el show, pero no creo éste espacio sagrado para el arte escénico sea el adecuado para el formato propuesto, ya que eso no es teatro sino que es lo que siempre se ve en las películas: un actor frustrado que asiste a un café bohemio y se dedica a bromear sobre su cotidianidad, pero exactamente ése es el espacio ,un café en donde la gente va a dialogar y de repente, un sujeto interrumpe sus actividades para causar gracia o lástima.
Claro que hay excepciones como Seinfeld.

Ya casi llega el verano en mis sueños

2009-11-22T18:25:00.007-05:00

Cuando algo me apasiona mucho, suele presentarse en mis sueños. En esta ocasión, y para ser sincera no lo había imaginado, ocurrió que mi personaje empezó a materializarse ante mí por medio de mis sueños. Como sabemos en los sueños el subconsciente se manifiesta, lo que quiere decir que una parte de mí está imaginando y construyendo al personaje. La parte que me agrada es que esta construcción es de adentro hacia afuera y no al revés.

En mi sueño pude saber cómo camina mi personaje, lo que dice y la intención con la cual la dice, sabía cómo era su relación con los otros y al fin pude sentir sus temores.
Mi personaje es un hada del bosque quien teme a la oscuridad y confieso que le temo a la oscuridad, sé que esto tiene múltiples significados simbólicos, como temor a lo desconocido al no poder ver o entender el mundo. En caso de mi personaje ocurre igual, le teme a lo que no ve y desconoce, pero trata de mostrarse fuerte y madura.
He tenido sueños que me han causado angustia y terror, pero nunca imaginé que al despertar mi corazón tendría pulsaciones tan aceleradas, sentía que se me iba a salir del pecho.
Por otro lado, aún no conozco la voz de mi personaje, pues obviamente no puede adoptar la mía, la propia, su voz tendrá que ser más dulce como el susurro de las flores que ella perfuma.
En mi sueño, mi rostro no era mi rostro en realidad no tenía rostro era negro, mi cabello era el mismo, pero una diadema de flores de color durazno adornaba mi cabeza, mi cuerpo estaba cubierto por un conjunto de telas de seda delicadas como las hoja, podía sentir cómo me rosaba el vientre y los pechos.
Su caminar era liviano como si flotara, daba pasos ligeros y lentos.
El lugar en el cual me encontraba no era un bosque sino era el escenario del teatro en donde practico, creo que esta era la parte más consciente de esa realidad paralela, aunque también estaban mis compañeros, pero ellos no tenían ningún traje en especial, pero sí tenían rostro.

Espero que en el sueño de este verano mi personaje pueda relacionarse con los otros personajes, en lugar de relacionarse con los individuos. Quisiera ver cómo son los otros.

Corporeidad y técnica

2009-10-13T23:01:00.007-05:00

Continuando con el tema "corporeidad". Para mantener la postura del cuerpo durante toda la obra es importante tener conciencia de cómo será ésta y por qué; es decir ¿qué queremos transmitir al caminar de cierta forma por el espacio?
La forma de manejar mi cuerpo está acompañado de la razón, la razón de ser del personaje.

El actor requiere entrenar su cuerpo todos los días, para lograr flexibilidad y manejo de cada extensión, por lo cual le será más fácil adoptar cierta forma.
Si la parte corporal está resuelta, entonces el hablar, el tono, el manejo del espacio en el cual se siente identificado y lo conoce será mucho más fácil, ya que el hecho de que acostumbre a usar una postura significa que parte de su personalidad está construida y el resto vendrá por añadidura.
Es importante no forzar para que mi cuerpo se mantenga de cierta forma, ya que sólo conseguiremos que los músculos se endurezcan y tengamos un calambre en escena.

Otro punto importante para ser tratado es que el personaje también debe reaccionar, es decir si en escena tengo un calambre no debo ignorarlo sino que debo intentar sacudir el pie o golpear mi pierna para que se me pase, ya que si intentamos disimular se verá completamente falso y poco creíble.
Si en escena una silla sale volando entonces el personaje tiene tres opciones: finge que no la ve y continúa con el marcaje, la acomoda durante el marcaje como si fuera planeado o simplemente corre a recogerla y se disculpa por botarla o lanza una mirada fulminante a quien la botó para que se disculpe.

¿Es importante mantener la corporeidad?

2009-10-12T22:53:00.001-05:00

Ignacio Ellacuria, filósofo y teólogo vasco, habla de la corporeidad como la idea de auto conservación en tanto apropiación de lo que el individuo propiamente es, la cual nos confronta innecesariamente con las mediaciones establecidas por la cultura, que según Ellacuría es propia y natural de lo humano. Esto último nos sitúa en un punto de congruencia con todo el resto de seres vivos, así se da su regreso a la naturaleza verdadero, en la corporeidad.

Lo mencionado anteriormente, implica tanto la revalorización de nuestro carácter natural en un
sentido clásico, es decir, en oposición a lo cultural, y además la afirmación de la razón como parte de esta naturaleza, no como su opuesta.

Si bien el humano es el único animal que posee racionalidad, no por esto deja de ser animal. En la filosofía cínica y estoica encontramos intentos de una vuelta a la naturaleza a través de la eliminación de mediaciones culturales, más casi siempre esto desemboca en una negación teórica de la propia naturaleza racional del humano, a favor de algo que, dentro del ser humano, no se opone a ella. De estos pensamientos antiguos queda el principio de “deber ser” que implica el conocimiento de que estas mediaciones pueden ser dañinas para el humano, tanto en su relación con otros humanos, como en su relación con el resto de animales, y el planeta, este "deber ser" que llama al cambio en los conceptos. Así queda dicho, la corporeidad como tal no niega la racionalidad ni afirma la completa necesidad de volver a la naturaleza, sino que plantea un equilibrio, por el bien de los humanos, los animales y su entorno.

¿Qué tiene que ver con el teatro la cuestión "corporeidad"?

Pues bien, cada personaje tiene cierta forma de caminar y pararse a partir de esto se forma el yo personaje, pues el cuerpo comunica no solo cómo es el individuo sino también cómo es su entorno; es decir, si sus hombros están caídos, comunica su inseguridad frente a sí mismo y frente a lo que le rodea. La corporeidad en sí tiene que ver con el personaje entanto es unión de cuerpo y razón, por lo cual la razón (diálogo, construcción de actitudes, relación con el otro) debe estar ligada al cuerpo (transmisión de ideas, sentimientos y palabras, modulación de la voz, movimiento por el espacio, relación con los objetos), así la naturaleza del personaje estará completa, no vacía de sus dos componentes complementarios.

Colaboración de Juan Pablo Neira

"La hija sin novio"

2009-10-04T22:35:00.007-05:00

Creo que estoy perdiendo la cordura o fusioné mi vida con el arte escénico. Tal vez a ti también te suceda que en ocasiones cuando observas a la gente pareciera que es un grupo de actores y tú eres su público, me explicaré mejor. Yo me siento en la cabecera del comedor y tengo una perspectiva amplia de lo que sucede en los otros puestos, hoy domingo 4 de octubre no sé si fue por los diferentes temas que tratamos en el almuerzo, pero de alguna extraña forma sentí que estaba en una butaca observando una obra.

Primera escena:
Mamá: hija por qué no te abres con la gente y sales más, por qué escoges tanto? Mira que los
años no pasan en vano.
Hija: hay estás insinuando que me voy a quedar solterona?

Risas en la mesa

Hijo: solterona? (risa malévola)
Hija: nunca me voy a olvidar de lo que me estás diciendo, si encuentro a un mal hombre será tu culpa (dice esto en forma jocosa)
Hijo: no por favor! consigue a alguien racional
Hija: hay, pero el tipo que me gusta ni me para bola
Mamá: claro! ya se cansó de rogar tanto. Pobre muchacho tanto que le niegas, se cansó
Hija: silencio
Cómo se llama la obra? "La hija sin novio"
Yo disfruté el acto desde mi silla cómodamente, guardando silencio hasta que llegó mi turno, pero eso te contaré en otro momento.

Final del taller de crítica de teatro

2009-10-04T10:29:00.002-05:00

El último día del taller fue muy particular, Roxana y Joel nos mostraron un video de un día en el cual los artistas se reunieron y caminaron por las calles mostrando sus habilidades. Al inicio de la caminata tenían 10 seguidores, después tenían cerca de 300 personas que los observaban.
Dedicar un día y un espacio para el arte es un acto que demuestra la ruputura de la cotidianidad y los prejuicios, pues todos los individuos tenemos un grado de identificación con las diferentes manifestaciones artísticas.
Ahora les voy a comentar la parte cómica del asunto: listos para clausurar el taller de crítica llega un joven periodista de cierto medio y pregunta: éste es el taller de crítica, de qué se trata el taller? luego pregunta a nuestro maestros: cuáles son sus nombres? cuánto duró el taller y etc. El punto del asunto es que este periodista no tenía idea de qué se trataba la cuestión si no fuera porque todos estábamos de buen humor no habríamos respondido sus preguntas que debían tener una investigación previa, pues algunos medios han hablado sobre el taller y ya dan antecedentes que le pudieron servir a este muchacho para hacer preguntas clave en su intento de entrevista.

El fite- q generó grandes expectativas

2009-10-01T22:38:00.002-05:00

Las dos últimas obras que vi me impactaron muchísimo cada una tiene su bella particular; me refiero a Yuyachkani de Perú. En este caso el juego con la música y los textos es magistral, pues cada personaje tiene una gran carga emocional en lo que expresa. En el conversatorio que se llevó a cabo en el Teatro Prometeo, hoy jueves 01 de octubre, en el cual los actores nos contaron que sus textos eran una especie de reciclaje; por ejemplo uno de los textos era la cita de un poema anónimo que la primera vez que lo leyó se quedó en ella y en uno de los ensayos se le salió, por azar o pasión los versos fueron precisos para el montaje. En otro caso el actor usó coplas, les dio un ritmo musical e incluso una coreografía que por un momento me trasladó a una de esos filmes a blanco y negro que miraba mi mamá cuando yo era pequeña.

La puesta me enganchó y me sorprendió, pues amo la música bien hecha que además de sonar bien transmite un sentimiento en particular. El uso de los objetos llamó mi atención, pues el solo hecho de usar la máscara más pequeña del mundo: "la nariz de payaso" hizo que la actriz modificara por completo la posición de su cuerpo, su voz; lo más importante de esto es que no sólo había un personaje sino también un individuo que tomaba y echaba al personaje.
El final me impactó, ya que los actores depositaron sobre las sillas los objetos que caracterizaban a su personaje, como un chal violeta, una nariz de payaso, cuerdas, etc, pero lo más gracioso fue que al dar inicio al conversatorio nuevamente usaron los objetos (excepto la nariz) como parte de su atuendo; eso significa que ellos forman parte de su vida más que de sus personajes o será que ellos ¿son los personajes y ya no individuos?

El FITE -Q/G

2009-09-30T20:21:00.005-05:00

Es un placer dedicar este espacio para informarles sobre un evento tan genial como es el Festival internacional de teatro experimental 2009. En primer lugar quiero contarte que hay un taller de crítica de teatro, en este taller contamos con la cátedra de Roxana Pineda y Joel Sáez.
En algunas ocasiones leemos críticas sobre teatro que no satisfacen nuestra expectativa o simplemente acaban con el prestigio de una obra de teatro que tuvo pre-ensayos y por tanto tanto director como actores trabajaron para hacer la puesta en escena.
Quisiera aclarar que éste blog, por el momento, no tiene como objetivo aventurarse en crítica de las obras de teatro sino incentivarte a ti lector a apasionarte con el hermoso trabajo que se lleva a cabo en las tablas e incitarte a participar en él para que sientas el paralelismo en carne propia.
FITE- Q/G

Improvisar requiere conocerte

2009-09-21T19:48:00.005-05:00

En ocasiones creemos que una buena idea es improvisar cuando debemos exponer una situación o un tema frente a un grupo, pero improvisar no es tan fácil como parece, ya que si no conoces algo sobre la materia nadie te creerá.

Tal es el caso en el escenario, si te propones hacer una improvisación cuyo espacio es el desierto y tu objetivo es encontrar agua, es necesario conocer cómo se comporta un individuo deshidratado, pues probablemente alucinará o tendrá que arrastrarse porque su cuerpo ya no rinde al 100%.
Si finges tener sed seguramente fingirás delirios, fingirás que te duele el cuerpo, pero como tú mismo no tienes la sensación de que tu cuerpo es débil y te falta agua el público tampoco lo creerá. No propongo dejar de tomar agua días antes de la función, pero sí propongo estudiar qué le sucede al cuerpo humano cuando carece de alimento o agua.

Improvisaciones sin palabras

2009-09-16T23:07:00.003-05:00

El medio para comunicar más común es la palabra, pero ¿qué sucede si sólo pudiéramos comunicar con el cuerpo sin intención de hablar?
No me refiero a un lenguaje de señas sino a todo un ejercicio corporal, jugar con tu postura, con los objetos que tienes al rededor, con cómo dices algo sólo con acciones.
Es muy difícil plantear una situación con ciertos objetivos y evitar que éstos cambien o se vuelvan turbios según avanza la improvisación. Otro punto complicado es que tu compañero entienda lo que tú deseas comunicarle y no malintreprete el mensaje o aún peor no lo entienda.

Por ejemplo, mi compañero y yo pleneamos ser espías y descubrir cierto objeto que debía ser entregado, pero conforme avanzó la obra de espía me convertí en mesera y parecía que pretendíamos asaltar a nuestra compañera que tenía el objeto, en lugar de parecer una misión secreta pareció un asalto con escopolamina.

En conclusión lo más importante es no perder de vista el objetivo planteado, pero sí dejar que fluya la situación, de hecho creérsela para que todas las reacciones sean naturales y no forzadas, por tanto no creíbles.

La catarsis tiene algunas formas

2009-08-28T20:39:00.004-05:00

Es sorprende todo lo que podemos aprender de la gente. Algunos, cuando desean sentirse mejor, recurren al dolor físico, otros prefieren ir al sicoanalista y a quienes les gusta el arte prefieren pintar, hacer o escuchar música o simplemente vivir una vida paralela, ese es el caso del teatro. (Me disculpo con el resto de las artes y formas catárquicas)

Quienes han ido al sicoanalista demuestran grandes progresos y cambios, ya que logran entender la vida o el comportamiento de forma racional. Los que optan por una vida paralela la gozan más. Tal vez esta afirmación desconcierte a unos cuantos, pero tan solo pensemos en lo siguiente: en la cotidianidad debemos compartir con seres racionales pensamientos medianamente racionales, entonces algunas ideas deben reprimirse porque no entran en el código social que exige buen comportamiento e incluso cordura.
Cuando estás sobre las tablas tienes una vida diferente, otros problemas, tic nerviosos, errores, posturas, tu voz cambia, tu mundo cambia. Por esta razón la llamo vida paralela, ya que es gratificante escapar de la realidad cuyo final desconocemos y entrar en un mundo cuyo final conocido, a veces inesperado, junto con su viaje de descubrimiento.
A pesar de que conozcamos cómo termina la puesta en escena, desde el punto de vista del actor, es interesante encontrar ciertos problemas que no se nombran en guión, pero está como una especie de subliminal.

Las víctimas de Sámano

2009-08-17T20:19:00.005-05:00

¿Alguna vez has pensado en qué hicieras si un batallón de hombres impidieran tu libertad?
O si vieras a tu hijo muerto en tus brazos y otro que será colgado por organizar un grupo que luchará por la libertad colectiva.
La obra de teatro: "Las víctimas de Sámano" cuenta una historia sobre batallas, privación de la libertad en la cual se derramó mucha sangre de víctimas y una especie de "héroes" que no son tan populares como Manuela Cañizares, Simón Bolívar, pero que también lucharon por la libertad.

La puesta en escena la hizo Marcelo Luje y gracias a la participación de alumnos de danza contemporánea, capoeira, danza española y la escuela de teatro clásico, se logró recrear las emociones e intensidad de lo que ocurrió en una época en la cual la monarquía española estaba en decadencia.
Policarpia Salavarrieta, denunció el inconformismo por vivir en una tierra que no la sentía como suya, y muchos la siguieron. Esta valiente mujer fue torturada, muchos hombres, mujeres y niños murieron, pero al final la libertad sonrió al pueblo.
El espectáculo de la obra es genial, ya que gracias a las luces, la música y la actuación el público derrama lágrimas y aplaude, además recupera la conciencia del hecho de ser libres, en medida de lo que se pueda.

Un viaje por todos los países en una hora

2009-06-07T21:30:00.003-05:00

El Teatro Simurgh presentó la obra: "Cantores". Fiori Zulli y Carla Robertson de forma muy entretenida y profesional invitan al público a viajar por el mundo y aprender los idiomas y costumbres de cada país. Carla canta con su voz melodiosa y toca algún instrumento, su compañero Fiori la acompaña.

Lo más curioso de toda la presentación fue que la muda de ropa era en escenario, frente a todo el mundo, entonces mientras ella se cambiaba de ropa, hizo algo muy gracioso y que funcionó bastante bien, le dijo a su acompañante: hey entretén al público mientras me cambio, o le preguntaba: ¿y ahora cómo disimulamos que tengo que cambiarme?

Durante la presentación, bailaban al son de la música musulmana, colombiana, gringa y otros, ella podía imitar el baile de cualquier país, y ambos cantaban en todos los idiomas, incluso el japonés, algo extraordinario porque incluso resultaron multilingües.

Una obra extraordinaria que vale la pena repetirla

La todología en el escenario

2009-06-03T22:52:00.005-05:00

Para hacer una buena puesta en escena es necesario saber un poco de todo. Para la obra de teatro: "sueño de una noche de verano", Marcelo Luje, el director, experimenta la primera escena con una lucha tipo esgrima, por tanto la actriz debe aprender los movimientos básicos de este deporte y mientras lucha con su oponente debe decir sus líneas. Suena simple, pero es algo más que eso, pues con el método Stanislavskiano, la actriz debe dejar que el personaje penetre, el esgrima y sus conflictos se fusionen, para que no parezca una escena falsa.

Muy pronto se estrenará la obra "Sueño de una noche de verano" en la universidad Católica, les contaré cómo avanza y de qué forma se arma para que se sumerjan en el maravilloso mundo de las tablas.

El teatro y el cine son diferentes

2009-05-26T20:44:00.004-05:00

Mateo Herrera, director de la película "Impulso" afirma que la dirección de una obra de teatro y de cine son muy diferentes. La obra de teatro requiere aprenderse religiosamente el guión, luego el director indica el marcaje (cómo debe ocupar el actor el espacio, hacia dónde moverse) mientras que en el cine, el autor aprende sus líneas toma por toma, se mueve en el espacio como quiera, tomando en cuenta el espacio del cuadro que se está filmando.

Mateo asegura que cuando la actuación de una película es mala se debe a que el director es malo, en el teatro lo más importante es exagerar los gestos, "en el cine si se exagera un gesto, se nota, para conseguir manejar un gesto, es importante practicar durante muchos años."

El director de teatro es posesivo con su actor, algunos dicen cosas como: estás exagerando demasiado o estás haciéndolo mal, según Mateo, éste es un grave error.

¿Qué hay del casting?

Lo más gracioso en el casting es ver cómo la gente cambia cuando la cámara está encendida, para mi película "Impulso" tuve ochenta candidatos, algunas chicas parecían conductoras de programa de tv, algunos teatreros exageraban la pose, la elección fue difícil, pero conseguí buenos actores y actrices.

Algunos directores son un poco locos porque en el casting les pide a los actores que se desnuden frente a la cámara, en mi caso, yo no les pedí que se desnudaran, pero sí les advertí que la película tendría desnudos y que si estaban dispuestos a hacerlo hicieran el casting, de lo contrario no.

Actuar y cantar es una tarea difícil para algunos actores

2009-05-14T18:17:00.004-05:00

Actuar, caminar, correr y cantar. Tarea difícil, necesitas mucho aire y tener buen estado físico para soportar el cansancio y el peso de tu personaje que al final seguramente te va a agotar por completo. El cansancio que produce el personaje es diferente al cansancio físico de hacer ejercicio o trotar, el agotamiento es sicológico sobreto, incluso cuando el personaje no tiene un conflicto dramático.
A pesar de todo ello vale la pena, ya que el agotamiento se recompenza con sentirse lleno, y ya no tener la presión constante en el pecho o la tristeza sin razón. El teatro es una pasión que siempre deja una huella bella.

La actuación produce un tipo de felicidad desinhibida

2009-05-13T17:10:00.010-05:00

El amor del perro y el gato (Jonatan y Gabriela Navarro)

La felicidad tiene que ver con un estado del espíritu, en el cual Dionisio nos invade y nos comportamos de manera extraña. En el teatro podríamos tomar el mismo principio, ya que nos comportamos de forma diferente; en ocasiones parece un manicomio ambulante, hacemos movimientos extraños con el cuerpo, adoptamos voces extravagantes y luego "recuramos la cordura".

Por ejemplo, en la vida real, la actriz no se atrevería a colocar la mano, en público, en un sitio que podría incomodar a un desconocido. Todas las situaciones que se plantean en la obra de teatro son ficticias, pero creo que tanto para actores como para el público, la compenetración entre ambos llega a un grado tan alto que la atmósfera cómica o trágica se recrea hasta conseguir ese click que emociona a ambas partes.

drag

2009-05-12T16:53:00.002-05:00

Técnicas para entrar en el personaje

2009-05-07T17:15:00.004-05:00

Primero, los ejercicios de relajación para liberar las tensiones que se generan en la vida "normal".
Luego identificar los verbos activos en el libreto, los señalas y empiezas a darle acciones al personaje,por ejemplo:
" corre, corre, corre y al fin llegará a poner cuchillo..." la acción indica movimiento, persecución, tenemos tres verbos que se repiten, lo cual indica que debo incrementar el tono de voz con la repetición de cada verbo, luego bajo y digo: al fin llegará a poner cuchillo; al fin llegará deberá sonar con una especie de fatiga y como cuando nos falta el aire.

En cuanto a acciones, para esto podríamos pensar en apretar los puños y al final de la frase soltarlos con ligereza y cansacio, como una especie de resignación.
Esta identificación de acciones ayuda a digerir al personaje hasta dejar que se introduzca por completo y se quede hasta cuando decida dejarte.

El teatro drag

2009-05-03T16:52:00.006-05:00

Una visión diferente del teatro "normal" y "tradicional" fue para mí el teatro dra,g nunca había escuchado hablar de la "casa drag", de hecho me parecía una mofa contra la imagen femenina, pero estaba equivocada los dra queen tienen una forma de enfocar los rasgos femeninos de forma diferente, incluso podría atreverme a decir que los exageran de forma que en lugar de ser burlesco son bellos.

La obra de teatro que tuve la oportunidad de disfrutar incluía un drag que caminaba y bailaba sobre plataformas de 10 cm, su vestido negro con rojo y brillos, relucían sobre la cuerpo con pansa protuberante que sobresalía notoriamente, el maquillaje era perfecto, líneas negras perfectamente dibujadas sobre el contorno de los ojos.

El conflicto de la obra consistía en un antihéroe que perdió su trabajo, esposa e hijos y luego conoció a un gringo, se casó y fue feliz. Esta historia suena como algo cotidiano, incluso podríamos considerarlo aburrido, pero el ingenio de los actores (también había un drag king, mujer vestida de hombre) y el enfoque que le dieron lo convirtió en algo extraordinario e increíble, en una historia de amor con un final feliz que incluía la canción de Miguel Bosé "Amange Bandido".

Recomiendo este tipo de teatro, es algo nuevo que en realidad vale la pena verlo. Pueden visitar la CASA TRANS (Jerónimo Leyton 1180 y Av. La Gasca)

http://elcomercio.com/solo_texto_search.asp?id_noticia=160145&anio=2009&mes=1&dia=8

El personaje y sus ademanes

2009-04-29T22:46:00.003-05:00

Algo gracioso del teatro es cuando le das ademanes a tu personaje y en la "supuesta vida real" te quedas con esa forma de hablar, caminar, toda su expresión corporal se queda en ti, es como algo inconsciente.
Aveces es mu difícil despegarse de toda la vida que le das a tu personaje en escena, pues al final es una parte de ti y sería como arrancar una parte de tu personalidad.

Decir adiós a una obra tan querida

2009-04-25T20:01:00.003-05:00

La obra de teatro "Bodas de sangre" tuvo 15 funciones, lo cual quiere decir que es hora de decir adiós.
Cada función fue diferente, pues siempre es inevitable encontrar algo nuevo en tu personaje, de repente hallas una nueva forma de caminar, un ademán, una voz que se acopla más a cómo es él o ella en escena.
Cuando llegó la hora de decir adiós a esta obra sentí un poco de tristeza, pero la última puesta en escena fue la más hermosa de todas, y el vacío en el centro del pecho y la soledad que solia sentir desaparecieron, aunque sentiré nostalgia de mi pequeño y dulce personaje, siempre estará dentro de mí, ya que lo construí a partir de lo que soy.

La encarnación del personaje

2009-04-19T11:56:00.005-05:00

El vestuario ayuda a encarnar al personaje, ya que cuando te maquillas y vistes como crees que él o ella lo hace asumes por completo a quién representarás. Aunque algunos creen que esta es la parte menos importante, en realidad, el momento en el cual te miras al espejo para ver cómo quedó tu maquillaje, empieza la parte del reconocimiento del "yo personaje", ya que tu rostro no es el mismo, tu forma de vestir habitual cambia y es increíble cómo los ademanes que le diste al personaje combinan perfectamente con lo que le has dado para vestir.

Según Marcelo Luje, director del grupo de Teatro de la PUCE, al vestir como tu personaje prácticamente entras en su piel.

La representación se consuma cuando el personaje entra en escena y su ropa comunica y concuerda con sus diálogos.

Funciones de teatro en Quito

2009-04-18T21:39:00.001-05:00

http://www.xona.ec/noticiaXO.asp?id_noticia=79&id_seccion=43

Sueño de una noche de verano

2009-04-18T21:35:00.002-05:00

Bodas de Sangre

2009-04-12T14:10:00.004-05:00

Este post es especial, ya que "Bodas de sangre" es una de mis primeras obras de teatro en la Universidad Católica. El 23 y 24 de abril presentaremos la quinta temporada de esta obra en el Teatro del Centro Cultural.

La gente cree que la obra pierde su gracia, debido a su constante repetición, pero para los actores no es así, ya que descubrimos cosas nuevas sobre los personajes, desarrollamos otros ademanes, hallamos nuevos objetivos, en fin. La obra se renueva constantemente, el trabajo de personaje se actualiza y de nuevo nos metemos en su piel.

Siempre se habla del durante la obra, pero en esta ocasión deseo referirme al después. Es difícil deshacerse del personaje, olvidar su forma de caminar, hablar, reír, salir de su piel y volver a ser quien eras; he aquí la gravedad del asunto, en este punto el colapso nervioso y existencial es común en el grupo, pues quién soy es la pregunta del millón. Para volver a quien solíamos ser es importante recordar nuestros hábitos, rutinas y demás, pero al recuperarlas se torna aburrida la vida, la rutina cansa y los hábitos deben desaparecer para adoptar nuevos.

El teatro es maravilloso, pero no se puede negar que implica llevar doble vida, la real y la actoral que deben separarse la una de la otra.

El trabajo actoral

2009-04-09T11:57:00.004-05:00

¿Cómo se hace para entrar en la piel del personaje y representarlo?

En un grupo de teatro, el primer paso para representar un personaje consiste en identificar las acciones y objetivos que tiene dentro de la obra. Identificar los verbos en los diálogos es una buena forma de captar al personaje, pues los verbos nos dicen qué acciones tiene.

Algunos creen que debemos imaginar cómo es la vida del personajes, pero no se trata de "imaginar" sino de meterse en su piel y desarrollar el rol que tiene en la obra. Por ejemplo, la Aurelia del "Amor del perro y el gato" es una mujer muy sensual, entonces la actriz debe buscar dentro de ella, la sensualidad innata y mostrarla en escena.

Cuando el actor estudia a su personaje debe adoptar la postura y ademanes que cree que tendría este individuo en la obra. Por ejemplo, si es viejo y achacoso, entonces su postura será encorbada y su voz gangosa, en caso de Aurelia, tendrá una postura que intimide a quienes la miran, además esta mujer tendrá cierta forma de hablar, caminar y tendrá un constante juego con su cabello o su cuello, pues es muy seductora y la actriz podrá tomar el canon social sobre el concepto sensualidad e incorporarlo al personaje para desarrollar sus ademanes.

La zapatera prodigiosa

2009-03-29T20:06:00.004-05:00

La obra de teatro, "La zapatera prodigiosa" trata sobre el amor entre una muchacha y un tipo de edad madura. El amor imposible y criticado por las vecinas chismosas del pueblo.
La joven zapatera es muy coqueta y tiene muchos pretendientes, su "viejo" cree que no lo ama y se marcha, tiempo después vuelve al pueblo y se disfraza de juglar, pero su enamoradiza dama logra reconocerlo y juntos enfrentan las críticas de quienes les rodea.

Esta obra será puesta en escena el 1 y 2 de abril en la PUCE, dirigida por Marcelo Luje

Introducción al teatro

2009-03-24T20:03:00.000-05:00

En el teatro hay algunos métodos para representar a un personaje, el de Stanislavsky y Brecth son los que más populares en los grupos de teatro de Quito.

Arístides Vargas, director, profesor y actor del Teatro Malayerba presentó la obra "La razón blindada", el guionista cuenta que usó ambos métodos para hacer la puesta en escena y además adaptó el Quijote de la Mancha, "La verdadera historia de Sancho Panza" de Kafka y "El Sabueso de los Baskerville" de Cervantes, con el fin de presentar un Don Quijote contemporáneo.

Uno de los fuerte de la obra es el fluir de la conciencia de Cervantes, recrea a este genio de la literatura en una época contemporánea.

En el escenario te transformas en otra persona, tienes conflictos, ilusiones, metas y lo más importante un objetivo. A partir del objetivo se desarrolla tu atmósfera sicológica, la clave para encarnar al personaje y asumirlo.

Considero que el método de Stanislavsky es efectivo cuando estás en escena, pero es difícil sacar al personaje de ti. Puedo afirmar que sulen quedar rastros del personaje en "tu vida real" por ejemplo, tics, la forma de caminar, la postura, entre otros.

"La vida es un teatro y nosotros los actores"

2009-03-24T19:28:00.000-05:00

Bienvenid@ al espacio que necesitas para conocer y discutir sobre las maravillosas obras de teatro que deberías conocer.

Encontrarás crítica sobre puestas en escena fabulosas como la Celestina, La zapatera prodigiosa, Médico a palos y cómo olvidar a Bodas de Sangre. Esto es sólo el inicio de un viaje espectacular en el fantástico mundo en los escenarios.